Celine Daemen, la regista che ha trasformato la realtà virtuale in un teatro dell’anima

Quando l’industria della realtà virtuale prometteva a tutti un metaverso, Celine Daemen pensava a Euridice. Non esattamente la ragazza perduta del mito greco – piuttosto la sensazione specifica di scendere in uno spazio dove il tempo ordinario smette di funzionare e le leggi che tengono ancorata una persona a sé stessa si dissolvono silenziosamente. Questo è il tipo di esperienza per cui la VR è stata costruita, secondo Daemen: non parchi a tema, non simulazioni di formazione aziendale, ma qualcosa di più vicino a ciò che fa un’opera quando ti coglie alla sprovvista. Il fatto che questa posizione l’abbia resa uno dei nomi più decorati del cinema immersivo – e che ora si stia deliberatamente allontanando dalla tecnologia che le ha valso quel riconoscimento – dice molto su quanto prenda sul serio il medium, e su quanto poco le interessi essere definita da esso.

Daemen ha studiato regia al Maastricht Institute of Performing Arts nei Paesi Bassi, laureandosi nel 2018 con un lavoro che già annunciava le sue ossessioni: Inside, un’installazione video a 360 gradi per un singolo spettatore, costruita intorno alla paura e alla solitudine. Il pezzo non aveva una narrazione in senso convenzionale. Gli spettatori venivano collocati all’interno di un campo emotivo associativo – immagini video, musica, suoni stratificati – e lasciati a navigarlo a sensazione. Non era confortevole. Non era progettato per esserlo. Ciò che ha stabilito, all’inizio della sua carriera, è che Daemen non aveva alcun interesse a usare la tecnologia per rendere le cose più facili da guardare. È nata nei Paesi Bassi nel 1995, e il contesto culturale in cui si è mossa – teatro olandese, opera contemporanea, musica sperimentale – le ha fornito un insieme di riferimenti formali che si colloca in modo strano ma produttivo rispetto alla logica startup dei media immersivi.

Il lavoro che è seguito alla fine degli anni 2010 si è mosso tra teatro, performance e primi esperimenti immersivi. De Opera van de Vallende Mens (L’Opera dell’Uomo che Cade, 2019), tratto da interviste con persone in stato di vulnerabilità psicologica, ha costruito un’opera VR sulla solitudine e il dolore usando musica e immagini come specchi piuttosto che finestre. Sneeuwen (Nevicare, 2019), diretto per un pubblico giovane insieme all’attrice Marit Hooijschuur e al compositore Marc Mâhfoud, ha collocato una bambina alla deriva in un paesaggio di poesia ingenua e domande esistenziali. Un cortometraggio precedente, De vrouw die oneindig wilde zijn (La Donna che Voleva Essere Infinita, 2018), co-creato con Sanne Smits e ambientato nella fase di transizione tra la vita e la morte, ha vinto un riconoscimento al Bilbao International Film Festival. Il linguaggio teatrale era già presente; gli strumenti VR venivano assemblati una produzione alla volta. Entrambi i maggiori lavori VR hanno mostrato quella che sarebbe diventata una mossa distintiva: usare forme d’arte classiche – opera, mito, poesia lirica – come impalcatura strutturale per esperienze che potevano esistere solo nello spazio immersivo.

La pandemia ha affinato il metodo. Monologues for Nothing (2020-2021) ha messo i visori VR nelle mani di giovani durante il lockdown e li ha portati – attraverso la tecnologia – sopra le loro città e in uno spazio virtuale condiviso. Dove altri vedevano la VR come intrattenimento, Daemen la vedeva come ciò che le cantine delle chiese sono sempre state: una stanza in cui l’isolamento diventa, brevemente, comunione. Il progetto di ricerca Nowhere (2021-2022), sviluppato in collaborazione con Muzieklab of Intro in Situ, VIA ZUID e il Chronosphere lab di De Effenaar Smart Venue, si è spinto più a fondo nel territorio filosofico che continuava a rivendicare come suo – lo spazio tra presenza e assenza, tra “da qualche parte” e il vuoto che ne definisce i confini.

Nel 2022 è arrivata Eurydice – A Descent into Infinity, un’opera VR della durata di oltre venticinque minuti che chiedeva agli spettatori di camminare fisicamente attraverso un labirinto architettonico infinito mentre seguivano la mitologica Euridice nel vuoto. Formalmente rigorosa – Daemen ha citato Tarkovsky e Chantal Akerman come punti di riferimento per il ritmo contemplativo e il rifiuto di una risoluzione drammatica convenzionale – l’opera era insolitamente lunga per un medium in cui dieci minuti sono considerati ambiziosi. Ha vinto il Reflet d’Or per la Migliore Esperienza Immersiva e lo Yusr Award d’Argento al Geneva International Film Festival. Quello stesso anno ha fondato Studio Nergens (Studio Nessun Luogo), un hub collaborativo per il lavoro transdisciplinare: specialisti VR, compositori, professionisti del teatro e artisti digitali che lavorano su progetti che nessuno di loro potrebbe realizzare da solo. Il nome dello studio cattura esattamente la filosofia: nessun luogo è lo spazio che Daemen cerca sempre di raggiungere, il posto in cui le coordinate ordinarie dell’esperienza smettono di essere affidabili.

Poi è arrivato Songs for a Passerby. L’opera è stata presentata in anteprima all’80° Festival Internazionale del Cinema di Venezia nell’agosto 2023 come un’opera VR di dieci minuti in cui gli spettatori – con i visori – navigano in una città abbandonata come versioni scansionate in tre dimensioni di sé stessi, muovendosi tra ombra e suono mentre un coro sommesso canta, cani randagi girano intorno a una strada silenziosa, e un cavallo affronta un destino incerto da qualche parte in lontananza. Il compositore Asa Horvitz e il librettista Olivier Herter hanno co-creato l’architettura musicale con Daemen e il direttore artistico VR Aron Fels; l’esperienza si colloca tra un romanzo surrealista e un sogno notturno in cui puoi camminare. La giuria, presieduta dalla regista Singing Chen, le ha assegnato il Venice Immersive Grand Prize – il più alto riconoscimento nel settore – definendola un’opera fondamentale che stabilisce un nuovo standard per ciò che è possibile in questo medium.

Questo tipo di elogio merita di essere esaminato, non solo accettato. Il Venice Immersive Grand Prize è davvero prestigioso, ma il cinema VR come categoria occupa ancora un terreno intermedio scomodo: troppo corto per i lungometraggi, troppo costoso per il grande pubblico, dipendente da visori che rimangono oggetti di consumo di nicchia e dall’infrastruttura dei festival per la maggior parte del suo pubblico. I critici del medium sostengono che il cinema immersivo sia perennemente in uno stato di annuncio – sempre sul punto di sfondare, sempre alla ricerca di nuovi modi per essere tecnicamente impressionante senza diventare culturalmente necessario come lo sono il cinema, il teatro o la musica registrata. La controargomentazione più forte di Daemen non è retorica ma formale: il suo lavoro non sta cercando di diventare cinema. Songs for a Passerby non è un film con un visore addosso. È un’opera spaziale che usa la grammatica peculiare del visore – l’autorità assoluta su dove possono andare gli occhi dello spettatore, la confusione propriocettiva di un corpo che abita due coordinate contemporaneamente – come argomento stesso. Se questo costituisca una nuova forma d’arte o una dimostrazione elaborata delle capacità di una tecnologia è una domanda che non trova una risposta netta. La cosa importante, per Daemen, è che continua a porsela invece di accontentarsi della risposta che l’industria preferisce.

L’anno dopo Venezia, all’81° Festival Internazionale del Cinema di Venezia, Daemen è tornata non come concorrente ma come Presidente della Giuria per Venice Immersive – un riconoscimento del suo status a un’età in cui la maggior parte dei registi nel settore sta ancora trovando il proprio vocabolario. Parallelamente, è stata selezionata come Collider Fellow attraverso la residenza Onassis ONX al Lincoln Center di New York, un programma di otto mesi incentrato sull’intersezione tra tecnologia e ricerca artistica. Studio Nergens ha ricevuto un sostegno istituzionale pluriennale dal Performing Arts Fund Netherlands, un segnale che l’infrastruttura culturale olandese ha deciso che questo tipo di pratica ha un futuro che vale la pena finanziare in modo costante, non progetto per progetto.

Come sarà quel futuro, Daemen lo sta attivamente rinegoziando. Nothing to See Here, l’installazione selezionata per IDFA DocLab 2025 e esposta al Festival Cement nel 2026, è un diorama interattivo – immersione ottica e uditiva senza visore. Il cambio di medium è deliberato. Studio Nergens ha annunciato un programma che si estende oltre la VR verso installazioni sonore e formati che mettono da parte la domanda “cosa può fare la VR?” a favore di qualcosa di più fondamentale: cosa vuole realmente l’arte immersiva dalla persona che vi si trova dentro? La borsa di studio EMARE della Onassis Foundation sostiene la ricerca esplorativa in corso alla base di questa espansione. Non è una ripudiamento del lavoro che le è valso il premio più alto del settore; è la stessa domanda filosofica, posta con strumenti diversi.

C’è qualcosa di insolito in una regista che vince il premio più alto nel suo medium e subito inizia a lavorare su come averne meno bisogno. Daemen ha detto, in varie interviste, che la tecnologia per lei è sempre stata un veicolo – non la destinazione. La domanda che sta seguendo ora, attraverso formati, istituzioni e residenze su due continenti, è cosa quel veicolo abbia trasportato per tutto il tempo: cosa fa realmente, a chi vi sta dentro, l’esperienza di trovarsi all’interno di un mondo sonoro e visivo, spogliato dei segnali ordinari che confermano l’esistenza di una persona. Nothing to See Here è la risposta attuale in divenire. Ce ne saranno altre.

Tag: registe, Aron Fels, Celine Daemen, cinema VR, Eurydice — A Descent into Infinity, Nothing to See Here

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