Gli Academy Awards, colloquialmente noti come Oscar, sono ampiamente considerati “l’apice della carriera di un attore” e “i premi più prestigiosi dell’industria cinematografica a livello globale”. Ricevere l’ambita statuetta dorata è spesso visto come il “sigillo di approvazione definitivo da parte dell’industria cinematografica”, un profondo riconoscimento da parte dei colleghi che la dedizione e l’arte di un attore sono culminate in una performance “così impattante da sentirsi motivati a incoronarti come il migliore nella tua categoria”. Questo singolare onore significa un livello di performance che pochi raggiungono.
Nonostante questo immenso prestigio, un numero sorprendente dei talenti più venerati di Hollywood, attori che hanno costantemente offerto “lavoro esemplare anno dopo anno”, si sono trovati ripetutamente “ignorati” per un Oscar competitivo come attore. Questo fenomeno ricorrente è spesso visto dagli appassionati di cinema e dalla critica come un “crimine contro l’arte e il buon gusto”.
Questa esplorazione celebra le carriere di dieci di questi luminari, riconoscendo il loro immenso contributo all’arte del cinema. È fondamentale riconoscere, come ha giustamente osservato Entertainment Weekly, che “la mancanza di una vittoria non rende improvvisamente mediocre il talento di un attore. Anzi, scommetteremmo che alcune star senza Oscar resisteranno alla prova del tempo molto più di alcune che hanno effettivamente vinto l’oro”. Le loro storie non solo illuminano la loro genialità individuale, ma gettano anche luce sulla danza intricata, a volte perplessa, del voto dell’Academy e sulla natura multiforme del successo cinematografico.
Il costante riconoscimento che questi attori hanno ricevuto dall’Academy, spesso attraverso molteplici nomination nel corso dei decenni, sottolinea il loro straordinario talento. Questo ripetuto riconoscimento, giustapposto all’assenza di una vittoria, rende i loro percorsi verso l’Oscar particolarmente avvincenti e degni di esame.
I Talenti Senza Corona
1. Glenn Close: La Regina Regnante delle Quasi Vittorie all’Oscar
Glenn Close si erge come un vero titano sia del palcoscenico che dello schermo. La sua illustre carriera, che abbraccia oltre cinque decenni, è adornata da una pletora di riconoscimenti, tra cui tre Primetime Emmy Awards, tre Tony Awards e tre Golden Globe Awards. Nel 2019, la rivista Time l’ha giustamente nominata una delle 100 persone più influenti al mondo, a testimonianza del suo impatto di vasta portata. Close è celebrata per la sua straordinaria versatilità e la sua profonda capacità di interpretare “personaggi complessi e avvincenti con profondità, intensità e vulnerabilità”. È un’attrice che costantemente “infonde vita in ogni personaggio”, trasmettendo magistralmente sia “vulnerabilità che forza in egual misura”. Oltre ai suoi monumentali contributi alle arti performative, Close è anche un’appassionata sostenitrice della consapevolezza sulla salute mentale e dei diritti delle donne.
Il suo percorso verso l’Oscar è leggendario: Close detiene l’invidabile record di essere l’attrice vivente più nominata senza una vittoria competitiva all’Oscar, condividendo questa distinzione con il compianto Peter O’Toole, entrambi avendo accumulato otto nomination come attori senza assicurarsi una vittoria. Questa notevole serie di nomination parla da sé del costante riconoscimento da parte dell’Academy del suo eccezionale talento in una vasta gamma di ruoli ed epoche cinematografiche. Le sue nomination includono: Miglior Attrice Non Protagonista per Il mondo secondo Garp (1982), dove ha interpretato memorabilmente una madre femminista; Il grande freddo (1983), incarnando un archetipo dei baby boomer; Il migliore (1984), come struggente interesse amoroso; e molto più tardi, per Elegia americana (2020). Le sue nomination come Miglior Attrice sono arrivate per alcuni dei suoi ruoli più iconici: l’ossessiva e pericolosa Alex Forrest in Attrazione fatale (1987); l’astuta e manipolatrice Marchesa de Merteuil in Le relazioni pericolose (1988); la sua trasformazione in una donna che vive come un maggiordomo inglese in Albert Nobbs (2011); e la sua acclamata performance in The Wife – Vivere nell’ombra (2018).
Tra queste, diverse interpretazioni spiccano come momenti in cui l’oro dell’Oscar sembrava incredibilmente vicino. La sua interpretazione di Alex Forrest in Attrazione fatale è stata una pietra miliare culturale, proiettandola verso la fama internazionale e incidendo il termine “bunny boiler” (bollitrice di conigli) nel lessico. Roger Ebert elogiò la sua performance come “terrificante eppure sempre plausibile”, notando che la sceneggiatura di James Dearden le permetteva di “adescare con lusinghe mielate per poi colpire con gelosia, possessività e infine senso di colpa”. Solo un anno dopo, la sua machiavellica Marchesa de Merteuil in Le relazioni pericolose le valse un’altra nomination come Miglior Attrice e un fervente plauso della critica. Molti critici e cinefili sostengono ancora che questa fosse l’interpretazione per cui meritava inequivocabilmente l’Oscar. Ebert celebrò la “perfezione” del suo duello sullo schermo con John Malkovich, i loro “dialoghi taglienti insieme si trasformano in estenuanti giochi di conversazione, partite di tennis dell’anima”. Decenni dopo, il suo ruolo di Joan Castleman in The Wife – Vivere nell’ombra (2018) – una donna che affronta una vita di compromessi fatti per il suo celebre marito – le portò la settima nomination come Miglior Attrice e una sfilza di altri importanti premi, tra cui un Golden Globe, un SAG Award e un Critics’ Choice Award. La sua performance fu acclamata come “sbalorditiva”, “silenziosa e complessa, splendidamente sfumata e piena di emozione”, con il regista Björn Runge che spesso focalizzava la sua telecamera sulle sue potenti reazioni silenziose. Per molti, questo sembrava il momento in cui la sua siccità di Oscar sarebbe finalmente finita, solo per vedere Olivia Colman causare un celebre colpo di scena per La favorita.
Le ragioni delle ripetute quasi vittorie all’Oscar di Close sono molteplici. Ha costantemente affrontato una concorrenza incredibilmente forte, perdendo contro attrici che hanno offerto interpretazioni iconiche o che hanno definito la loro carriera nei rispettivi anni, come Jessica Lange per Tootsie, Cher per Stregata dalla luna, Jodie Foster per Sotto accusa e Meryl Streep per The Iron Lady. C’è anche un dibattito in corso sulle sue scelte di carriera successive, con alcuni commentatori che suggeriscono che film come The Wife – Vivere nell’ombra ed Elegia americana, pur valendole le nomination, fossero forse “veicoli conservatori” o “esche da Oscar sicure” che non avevano l’impatto cinematografico più ampio di alcuni dei suoi ruoli precedenti e più rischiosi. Tuttavia, la sua performance in The Wife – Vivere nell’ombra è stata innegabilmente acclamata dalla critica. Un’altra prospettiva postula che, sebbene i suoi film siano molto apprezzati, potrebbe non aver recitato in quel “grande film innegabile di tutti i tempi” in cui la sua sconfitta sembrasse uno shock assoluto e contrario al consenso generale.
Nonostante l’assenza di un Oscar competitivo, l’eredità di Glenn Close come “una delle grandi attrici del nostro tempo” è indiscussa. La sua profonda influenza si basa sulla sua notevole versatilità, il suo “stile recitativo immersivo” e la sua capacità unica di portare alla luce “un numero eccezionale di strati in un ruolo o in un singolo momento”. La storica del cinema Cari Beauchamp la colloca tra le migliori attrici degli ultimi 80 anni, accanto a leggende dello schermo come Bette Davis e Meryl Streep, citando il suo “coraggio… nelle scelte dei ruoli e la sua perseveranza”. Le sue otto nomination per personaggi diversi – da cattive a figure materne, da aristocratiche d’epoca a donne contemporanee – sottolineano una straordinaria coerenza e gamma che l’Academy riconosce ripetutamente. Questa stessa coerenza, paradossalmente, potrebbe contribuire alla narrazione; l’Academy riconosce la sua genialità più e più volte, eppure la specifica alchimia di impatto del ruolo, prestigio del film, forza della concorrenza e la prevalente “narrazione Oscar” richiesta per una vittoria le è sfuggita. Ogni sconfitta è stata spesso a favore di un’attrice che viveva un momento determinante per la carriera o in un film con uno slancio travolgente, evidenziando che una vittoria all’Oscar riguarda spesso più della semplice qualità di una performance; riguarda quella performance che risuona in un modo molto specifico nel contesto competitivo e culturale di quell’anno particolare.
2. Amy Adams: La Sei Volte Nominata dal Fascino Versatile
Amy Adams ha costruito una carriera notevole e multiforme, ottenendo inizialmente un ampio riconoscimento per le sue “interpretazioni acclamate dalla critica di personaggi ingenui e affascinanti” in film come il successo indipendente Junebug (2005) e il musical Disney Come d’incanto (2007). Tuttavia, la sua impressionante gamma è diventata rapidamente evidente, addentrandosi in territori drammatici complessi con potenti interpretazioni in Il dubbio (2008), The Master (2012), American Hustle – L’apparenza inganna (2013) e Vice – L’uomo nell’ombra (2018). La sua filmografia mostra un’abilità nell’incarnare archetipi diversi, da una principessa Disney dagli occhi spalancati a una “seducente truffatrice”.
Questa versatilità e costante eccellenza l’hanno portata a sei nomination agli Academy Award senza una vittoria, una statistica che ha spinto Entertainment Weekly a descriverla come “una sorta di testimonial per questa causa”. Le sue nomination spaziano sia nelle categorie di supporto che in quelle principali: cinque come Miglior Attrice Non Protagonista per Junebug (2005), Il dubbio (2008), The Fighter (2010), The Master (2012) e Vice – L’uomo nell’ombra (2018), e una come Miglior Attrice per American Hustle – L’apparenza inganna (2013). Questo record la colloca in stimata compagnia, eguagliando leggende dello schermo come Deborah Kerr e Thelma Ritter per il secondo maggior numero di nomination per un’attrice senza vittoria, una distinzione superata solo da Glenn Close.
Il ruolo che ha lanciato Adams, quello dell’effervescente e loquace Ashley Johnsten in Junebug (2005), ha immediatamente segnalato il suo arrivo come un grande talento, valendole la sua prima nomination all’Oscar e una considerevole attenzione da parte della critica. I critici hanno celebrato la sua performance “illuminante e commovente”, notando che “irradia tale gioia, anche di fronte alla tragedia”, ed ha abilmente evitato di ridurre Ashley a una mera caricatura. Il film stesso è stato lodato come uno “spaccato di vita acutamente osservato”. La sua interpretazione dell’innocente e impressionabile Sorella James in Il dubbio (2008) le ha assicurato la seconda nomination, con i recensori che ne hanno elogiato il comportamento “dolce e innocente” e il modo in cui i suoi occhi trasmettevano l’ingenuità e il conflitto interiore del suo personaggio.
Dimostrando la sua versatilità, Adams ha recitato contro il suo solito tipo interpretando la dura e scaltra Charlene Fleming in The Fighter (2010), guadagnandosi la sua terza candidatura all’Oscar. I critici hanno osservato che ha portato “magnetismo” al ruolo, “affondando i denti nel materiale” per offrire una performance che bilanciava abilmente “vulnerabilità e durezza”. Roger Ebert ha lodato la sua interpretazione “lucida” di una donna dotata di una “forte volontà”. La sua prima nomination come Miglior Attrice è arrivata per il ruolo della truffatrice Sydney Prosser nel film di David O. Russell American Hustle – L’apparenza inganna (2013), un film corale che ha ottenuto un ampio consenso critico. Adams è stata lodata per aver trasmesso “una profonda vulnerabilità nascosta dietro una donna d’affari arguta” attraverso un “ritratto sensuale e cerebralmente emotivo”. Una performance che, pur non valendole una nomination all’Oscar, è frequentemente citata come una delle sue migliori e una significativa esclusione da parte dell’Academy, è stata il suo ruolo della linguista Dr. Louise Banks in Arrival (2016). Sight and Sound l’ha elogiata per aver trasmesso “intelligenza nativa senza cadere nella caricatura della cervellona”, ed è stata ampiamente vista come il “centro emotivo di un film che sembrava un peso massimo da Miglior Film”. Più recentemente, la sua trasformazione in Lynne Cheney in Vice – L’uomo nell’ombra (2018) le ha portato un’altra nomination come Miglior Attrice Non Protagonista, con i critici che hanno notato la forte chimica tra lei e Christian Bale.
Il percorso Oscar di Adams l’ha vista costantemente perdere contro formidabili concorrenti, tra cui Rachel Weisz (The Constant Gardener – La cospirazione), Penélope Cruz (Vicky Cristina Barcelona), la sua co-protagonista in The Fighter Melissa Leo, Anne Hathaway (Les Misérables), Regina King (Se la strada potesse parlare) e Cate Blanchett (Blue Jasmine). L’omissione per Arrival rimane un punto di discussione particolarmente enigmatico, soprattutto date le altre otto nomination del film, tra cui Miglior Film e Miglior Regista. Questo caso sottolinea che anche una performance da protagonista, acclamata dalla critica in un film molto celebrato, non garantisce una nomination come attore, indicando la natura a volte imprevedibile delle scelte dell’Academy.
Nonostante la mancanza di una vittoria all’Oscar, Amy Adams è ampiamente considerata “una delle nostre migliori attrici in attività”. La sua filmografia è una testimonianza della sua impressionante versatilità e della sua costante capacità di offrire interpretazioni memorabili e acclamate dalla critica in un’ampia gamma di generi. Il pattern delle sue nomination, prevalentemente nella categoria di supporto, l’ha spesso collocata in solidi ensemble dove il suo lavoro di spicco faceva parte di un successo collettivo più ampio. Questo potrebbe aver contribuito al suo essere riconosciuta ma non vincitrice finale contro interpreti in ruoli che erano forse più centrali o “vistosi” in quegli anni particolari. La sua unica nomination come Miglior Attrice ha affrontato una performance vincente dominante da parte di Cate Blanchett. L’esclusione per Arrival complica ulteriormente questa narrazione, suggerendo che fattori che vanno oltre il puro merito o la centralità del ruolo possono influenzare il processo di nomination. La costante presenza di Adams nelle conversazioni sugli Oscar, tuttavia, consolida il suo status di attrice il cui talento è ripetutamente e meritatamente riconosciuto dai suoi colleghi.
3. Edward Norton: L’Intenso Camaleonte
Edward Norton è esploso sulla scena cinematografica con un’intensità bruciante e un approccio intransigente al suo mestiere che lo hanno immediatamente distinto. Fin dai suoi primi ruoli, ha dimostrato una preferenza per progetti artisticamente impegnativi rispetto a quelli puramente commerciali, una caratteristica che ha definito gran parte della sua carriera. Oltre alla recitazione, Norton si è anche avventurato nella regia e nella produzione, fondando la Class 5 Films. Le sue interpretazioni sono spesso segnate da una “fascinazione per la dualità”, ed è noto per un’impressionante capacità di trasformazione, interpretando raramente lo stesso tipo di personaggio due volte.
L’impatto di Norton è stato così immediato da fargli ottenere nomination agli Academy Award per i suoi primi ruoli importanti. La sua storia agli Oscar include quattro nomination: Miglior Attore Non Protagonista per il suo esplosivo debutto in Schegge di paura (1996), per il suo complesso ruolo in Birdman o (L’imprevedibile virtù dell’ignoranza) (2014), e una nomination prevista per A Complete Unknown (per la cerimonia del 2025, basata su informazioni dei primi mesi del 2025). La sua unica nomination come Miglior Attore è arrivata per la sua indimenticabile interpretazione in American History X (1998).
Il debutto cinematografico di Norton in Schegge di paura nel ruolo di Aaron Stampler, un chierichetto apparentemente innocente accusato di un brutale omicidio, è stato a dir poco elettrizzante. Il ruolo, che notoriamente mostrava uno sbalorditivo cambio di personalità, gli valse immediati consensi critici, un Golden Globe Award e la sua prima nomination all’Oscar. Roger Ebert elogiò l’interpretazione “completamente convincente” di Norton, che giocava magistralmente con le profondità nascoste del personaggio. Questo debutto fu così potente da “gettare le basi per tutta la sua carriera”. Seguì un altro tour-de-force in American History X, ricevendo una nomination come Miglior Attore per la sua inquietante e potente rappresentazione di Derek Vinyard, un carismatico leader neonazista che subisce una dolorosa trasformazione. La rivista Empire la definì una “performance imponente che consacra Edward Norton come l’attore caratterista più promettente della sua generazione”, elogiando la sua capacità di conservare un “briciolo di umanità” anche all’interno di un personaggio così mostruoso. Norton sarebbe stato profondamente coinvolto nella definizione del montaggio finale del film, un punto controverso ma anche indicativo del suo impegno. Anni dopo, ottenne la sua terza nomination all’Oscar per Birdman, interpretando Mike Shiner, un talentuoso ma instabile attore di metodo di Broadway la cui arroganza si scontra con il personaggio di Michael Keaton, simboleggiando la tensione tra la celebrità di Hollywood e l’integrità artistica teatrale.
Nonostante queste interpretazioni molto acclamate e nominate, Norton non ha ancora portato a casa un Oscar. Ha costantemente perso contro attori che offrivano performance eccezionalmente forti e memorabili nei rispettivi anni: Cuba Gooding Jr. per Jerry Maguire, Roberto Benigni per il suo amato ruolo ne La vita è bella, e J.K. Simmons per la sua terrificante interpretazione in Whiplash. Oltre alla forte concorrenza, ci sono state persistenti voci e resoconti del settore secondo cui Norton sarebbe “difficile da lavorare” o cercherebbe un elevato grado di controllo creativo sui progetti, esemplificato dai dibattiti sulla sua influenza sui montaggi finali di American History X e dalle presunte dispute durante la produzione de L’incredibile Hulk. Sebbene il suo contributo artistico possa, in alcuni casi, aver migliorato il prodotto finale (come alcuni sostengono per American History X), una tale reputazione, del tutto giusta o meno, può influenzare sottilmente le relazioni del settore e, per estensione, le prospettive di premi in una comunità che valorizza la collaborazione.
L’eredità di Edward Norton, tuttavia, è saldamente consolidata. Acclamato fin dal suo debutto come un “giovane attore di enorme talento”, è rispettato per le sue capacità trasformative, la sua unica qualità da “uomo comune” che può trasformarsi senza soluzione di continuità in un’intensità minacciosa, e il suo approccio intelligente, spesso meticoloso, allo sviluppo del personaggio. Il suo lavoro di sceneggiatura non accreditato su film come Frida sottolinea ulteriormente i suoi più ampi contributi artistici. La carriera di Norton è iniziata con ruoli così esplosivi e acclamati dalla critica da essere immediatamente identificato come un grande talento. Sebbene la sua successiva carriera sia rimasta forte e varia, la particolare confluenza di un ruolo trasformativo, un film ampiamente acclamato e un campo competitivo favorevole necessari per una vittoria all’Oscar gli è, finora, sfuggita. La sua intensità artistica è il suo marchio di fabbrica, ma in un settore in cui la collaborazione e la narrazione giocano spesso ruoli cruciali nel successo dei premi, questa stessa intensità potrebbe essere un fattore complesso nel suo percorso verso l’Oscar.
4. Ralph Fiennes: Il Maestro della Sfumatura e della Minaccia
Ralph Fiennes è ampiamente celebrato come “uno degli attori più popolari e acclamati provenienti dalla Gran Bretagna”, un interprete che si distingue per la sua “presenza imponente e le performance intense”. La sua carriera è una testimonianza della sua “pura versatilità”, poiché naviga con disinvoltura tra l’interpretazione di cattivi terrificanti come il comandante nazista Amon Göth in Schindler’s List – La lista di Schindler e il nefasto Lord Voldemort nella saga di Harry Potter, fino all’incarnazione di personaggi affascinantemente eccentrici come M. Gustave in Grand Budapest Hotel, e persino prestando la sua voce a figure animate come Alfred Pennyworth in LEGO Batman – Il film.
Fiennes ha ottenuto tre nomination agli Academy Award nel corso della sua carriera (con la terza che è una proiezione per il 2025 basata su informazioni dei primi mesi del 2025 presenti nel materiale fornito). La sua prima è arrivata come Miglior Attore Non Protagonista per Schindler’s List – La lista di Schindler (1993). Ha ricevuto la sua prima nomination come Miglior Attore per Il paziente inglese (1996), e un’altra candidatura come Miglior Attore è prevista per il suo ruolo in Conclave (un film del 2024, con la nomination proiettata per gli Oscar del 2025).
Il suo ruolo di svolta internazionale come Amon Göth nel film di Steven Spielberg Schindler’s List – La lista di Schindler è stata un’interpretazione agghiacciante e indimenticabile che gli è valsa un BAFTA Award e la sua prima nomination all’Oscar. Spielberg stesso rimase profondamente impressionato dall’audizione di Fiennes, ricordando di aver visto “malvagità sessuale” e una terrificante capacità di passare istantaneamente da “momenti di gentilezza” che si sarebbero “gelati”. Fiennes ha parlato del peso psicologico di abitare un personaggio così oscuro, ammettendo di essersi sentito “leggermente contaminato” dopo aver “indagato così intensamente su un comportamento così negativo”. Il suo Göth è ampiamente considerato uno degli antagonisti più inquietanti del cinema moderno, un “simbolo senziente di una mentalità e di un’ideologia” la cui malvagità è tanto più terrificante perché radicata nella realtà storica.
Successivamente, Fiennes ha ricevuto la sua seconda nomination all’Oscar, questa volta come Miglior Attore, per la sua interpretazione del tenebroso Conte László Almásy nell’epica romantica Il paziente inglese. Il film fu un grande successo agli Oscar e Fiennes fu elogiato come “perfettamente calato” nel ruolo principale. Sebbene la sua interpretazione dell’estroso concierge M. Gustave H. in Grand Budapest Hotel (2014) di Wes Anderson non gli sia valsa una nomination all’Oscar, è frequentemente citata da critici e pubblico come un momento culminante della sua carriera, una magistrale dimostrazione di arguzia, fascino e impeccabile tempismo comico che molti ritenevano meritevole di un riconoscimento da parte dell’Academy. Più recentemente, il suo ruolo del Cardinale Thomas Lawrence in Conclave (2024), un personaggio definito da moderazione e tranquilla autorità che naviga in un’elezione papale, gli ha procurato il plauso della critica e una prevista terza nomination all’Oscar. La sua performance è lodata per la sua profonda sottigliezza, in cui “lascia parlare il suo silenzio” e trasmette un’immensa profondità emotiva attraverso “ogni sguardo, ogni respiro esitante, ogni barlume di dubbio”.
Nonostante queste potenti e acclamate interpretazioni, Fiennes non ha ancora vinto un Oscar. Per Schindler’s List – La lista di Schindler, perse come Miglior Attore Non Protagonista contro Tommy Lee Jones per Il fuggitivo. Vari fattori sono stati citati per questo esito, inclusa la possibilità che Jones ricevesse un “Oscar di riparazione” per una precedente, percepita esclusione per JFK – Un caso ancora aperto, l’apprezzamento dell’industria per i significativi contributi di Jones nel plasmare la sceneggiatura de Il fuggitivo e la sua leadership sul set, il fatto che Fiennes fosse un relativo novellino all’epoca che interpretava un personaggio assolutamente mostruoso, e l’ammissione di Fiennes stesso di non aver “mai fatto campagna per nessun premio”. Per Il paziente inglese, perse come Miglior Attore contro Geoffrey Rush per Shine. La stessa sottigliezza che definisce la sua acclamata performance in Conclave è ora vista da alcuni analisti come un potenziale svantaggio nella corsa al Miglior Attore, poiché l’Academy spesso favorisce “interpretazioni molto più grandi e vistose”.
L’eredità duratura di Ralph Fiennes si basa sulla sua notevole capacità di “calarsi in qualsiasi ruolo, che si tratti di dramma, commedia, azione o animazione”, consolidando la sua reputazione come “uno dei migliori attori del nostro tempo”. I suoi primi ruoli più iconici, in particolare Amon Göth, erano complessi e spesso malvagi. Sebbene queste interpretazioni siano venerate dalla critica, l’Academy a volte mostra esitazione nel premiare attori per l’interpretazione di figure profondamente malvagie, specialmente all’inizio della loro carriera, a meno che la performance e il film non raggiungano una schiacciante predominanza culturale (come visto con Anthony Hopkins ne Il silenzio degli innocenti). Il suo lavoro successivo, esemplificato da Conclave, mostra una straordinaria padronanza della sfumatura e dell’emozione interiorizzata. Questa profonda sottigliezza, sebbene un segno distintivo della grande recitazione cinematografica, può talvolta essere messa in ombra nella corsa agli Oscar da performance più apertamente trasformative o emotivamente dimostrative. Ciò suggerisce un pattern ricorrente in cui la specifica genialità di Fiennes nei suoi ruoli nominati non si è perfettamente allineata con le preferenze prevalenti dell’Academy in quegli anni o categorie particolari.
5. Samuel L. Jackson: Il Re del Cool, Ancora in Attesa di una Corona Competitiva
Samuel L. Jackson è un’icona cinematografica, un “attore estremamente prolifico, apparso in oltre 100 film”. La sua presenza imponente, la “voce profonda e autorevole” e la propensione a interpretare “personaggi ribelli”, “personaggi duri che bestemmiano molto” e “personaggi molto saggi e intelligenti” lo hanno reso uno degli attori più riconoscibili e amati della sua generazione. È salito alla ribalta nei primi anni ’90, in gran parte grazie alle sue incisive collaborazioni con i registi Spike Lee e Quentin Tarantino.
Nonostante la sua vasta e acclamata filmografia, Jackson ha ricevuto una sola nomination competitiva agli Academy Award: Miglior Attore Non Protagonista per il suo indimenticabile ruolo in Pulp Fiction (1994). Nel 2022, l’Academy ha riconosciuto i suoi monumentali contributi al cinema con un Oscar Onorario alla carriera.
Il ruolo che gli è valso la sua unica nomination competitiva, Jules Winnfield in Pulp Fiction di Quentin Tarantino, è stato un fenomeno culturale che ha catapultato Jackson verso la fama mondiale. La sua interpretazione del sicario filosofo che cita la Bibbia è considerata uno degli “antieroi più avvincenti” del cinema. L’elettrizzante monologo di Jules, in particolare la sua recitazione di un passo stilizzato come Ezechiele 25:17, divenne immediatamente iconico, mescolando intimidazione, spiritualità e un viaggio di auto-scoperta. Questa performance è stata una “svolta” per Jackson, trasformandolo in un “nome familiare” e in un talento molto ricercato per ruoli dinamici e intensi.
La sua sconfitta per Pulp Fiction nella categoria Miglior Attore Non Protagonista fu a favore di Martin Landau, che vinse per la sua trasformazione nel ruolo di Bela Lugosi nel film di Tim Burton Ed Wood. La delusione di Jackson fu palpabile; fu visto distintamente muovere le labbra per dire “merda” quando fu annunciato il nome di Landau. Jackson è stato schietto riguardo alla sua prospettiva sui premi, affermando inequivocabilmente che “è un onore vincere”, non semplicemente essere nominato, e ritiene che le nomination siano spesso dimenticate dal pubblico. Ha anche riflettuto sul fatto che una scena eliminata da Il momento di uccidere (1996), se fosse stata inclusa nel montaggio finale, avrebbe potuto fargli vincere un Oscar.
L’eredità duratura di Samuel L. Jackson è innegabile. È una figura iconica del cinema moderno, celebrato per una moltitudine di personaggi memorabili in numerosi successi campioni d’incassi e film acclamati dalla critica, incluso il suo ruolo di lunga data come Nick Fury nel Marvel Cinematic Universe e Mace Windu nella trilogia prequel di Star Wars. I suoi film hanno incassato collettivamente miliardi di dollari al botteghino globale. Il fatto che un attore così prolifico e culturalmente significativo abbia una sola nomination competitiva all’Oscar è, di per sé, piuttosto sorprendente. La sua sconfitta per Pulp Fiction contro Martin Landau, un rispettato attore veterano che offriva una notevole trasformazione biografica, potrebbe riflettere la preferenza occasionale dell’Academy per tali ruoli, specialmente quando contrapposti a un personaggio di un film più non convenzionale e che mescola i generi. L’eventuale conferimento di un Oscar Onorario a Jackson può essere interpretato come il riconoscimento da parte dell’Academy dei suoi immensi e duraturi contributi all’arte del cinema, forse servendo come una forma di riconoscimento per una vittoria competitiva che molti ritengono avrebbe dovuto essere sua.
6. Sigourney Weaver: La Regina della Fantascienza e Potenza Drammatica
Sigourney Weaver ha tracciato un percorso unico e influente a Hollywood, rinomata per le sue “interpretazioni pionieristiche di eroine d’azione nei blockbuster” accanto a un convincente corpus di lavori in film indipendenti. La sua interpretazione di Ellen Ripley nella saga di Alien non è solo iconica; è ampiamente “considerata una significativa protagonista femminile nella storia del cinema”, alterando fondamentalmente il panorama per le donne nei generi d’azione e di fantascienza.
Il talento della Weaver è stato riconosciuto con tre nomination agli Academy Award. Ha ricevuto una nomination come Miglior Attrice per il suo ruolo rivoluzionario in Aliens – Scontro finale (1986). In un’impresa notevole, ha ricevuto due nomination come attrice nello stesso anno, il 1988: Miglior Attrice per Gorilla nella nebbia e Miglior Attrice Non Protagonista per Una donna in carriera.
La sua performance come Ellen Ripley in Aliens – Scontro finale (1986) di James Cameron è stata un momento di svolta, valendole la sua prima nomination all’Oscar e segnando una “nomination storica per un’attrice considerata per un film di fantascienza/horror”, un genere storicamente trascurato dall’Academy nelle principali categorie di recitazione. I critici hanno costantemente lodato la sua performance. Sheila Benson del Los Angeles Times descrisse la Weaver come il “nucleo incandescente” del film, attorno alla cui “intelligenza ribelle” e “atletismo sensuale” Aliens – Scontro finale era costruito. Roger Ebert le attribuì il merito di aver tenuto insieme il film con la sua interpretazione forte e compassionevole, mentre Jay Scott proclamò che la Weaver faceva apparire le star d’azione maschili contemporanee come Sylvester Stallone e Arnold Schwarzenegger come “modelli maschili da calendario”. L'”esclusione” dall’Oscar per Aliens – Scontro finale è ancora sentita profondamente da molti, con alcuni che sostengono che “fa ancora più male 37 anni dopo”. In Gorilla nella nebbia (1988), la Weaver offrì un’avvincente interpretazione dell’appassionata e controversa primatologa Dian Fossey, guadagnandosi una nomination come Miglior Attrice e un Golden Globe Award. I critici elogiarono il suo lavoro, con Hal Hinson del The Washington Post che dichiarò: “Finalmente, [la Weaver] potrebbe aver trovato una parte tagliata sulla sua misura”, sebbene alcuni ritenessero che la caratterizzazione sullo schermo mancasse della piena profondità della vera Fossey. Ebert la trovò “impossibile immaginare una scelta più appropriata per il ruolo”.
Nonostante queste potenti nomination, la Weaver non ha ancora vinto un Oscar. Per Aliens – Scontro finale, perse contro Marlee Matlin per Figli di un dio minore. Questo risultato riflette probabilmente il pregiudizio storico dell’Academy contro i film di fantascienza e horror nelle categorie di recitazione principali. Nel 1988, un anno di doppie nomination, perse come Miglior Attrice (per Gorilla nella nebbia) contro Jodie Foster per Sotto accusa, e come Miglior Attrice Non Protagonista (per Una donna in carriera) contro Geena Davis per Turista per caso. Ottenere due nomination come attrice in un solo anno è un riconoscimento straordinario della versatilità e dell’impatto di un attore in quel particolare periodo cinematografico. Tuttavia, vincere in due categorie contemporaneamente è eccezionalmente raro, e in entrambe le occasioni si trovò di fronte a una concorrenza formidabile.
L’eredità di Sigourney Weaver come vera pioniera delle eroine d’azione femminili è indelebile. La sua carriera mostra una notevole versatilità, da ruoli che definiscono il genere nei blockbuster di fantascienza come la saga di Alien e Avatar a interpretazioni memorabili in commedie come Ghostbusters – Acchiappafantasmi e drammi acclamati come Tempesta di ghiaccio. La natura rivoluzionaria della sua nomination per Aliens – Scontro finale non può essere sopravvalutata; ha sfidato le tradizionali preferenze di genere dell’Academy. La sua mancata vittoria per quel ruolo iconico testimonia probabilmente quei pregiudizi prevalenti. Sebbene le sue doppie nomination nel 1988 siano state un onore significativo, la forte concorrenza in entrambe le categorie quell’anno si rivelò insormontabile. Tuttavia, l’impatto della Weaver sul cinema, in particolare nel ridefinire le possibilità per le protagoniste femminili, rimane profondo e duraturo.
7. Willem Dafoe: L’Icona Arthouse Senza Paura e Cattivo del Mainstream
Willem Dafoe è un attore di straordinaria versatilità e intensità, celebrato per la sua “prolifica carriera nell’interpretare ruoli diversi sia nel cinema mainstream che in quello d’essai”. Membro fondatore della compagnia teatrale sperimentale The Wooster Group, Dafoe porta una sensibilità unica, spesso tagliente, alle sue interpretazioni. La sua filmografia è una testimonianza delle sue scelte artistiche coraggiose e della sua capacità di abitare personaggi in ogni punto dello spettro morale.
Dafoe è stato nominato quattro volte per un Academy Award, costantemente riconosciuto per il suo lavoro trasformativo e avvincente. Le sue nomination sono: Miglior Attore Non Protagonista per Platoon (1986), L’ombra del vampiro (2000) e Un sogno chiamato Florida (2017); e Miglior Attore per Van Gogh – Sulla soglia dell’eternità (2018).
Il suo ruolo di svolta come il compassionevole e moralmente centrato Sergente Elias Grodin nell’epopea sulla guerra del Vietnam di Oliver Stone, Platoon (1986), gli valse la sua prima nomination all’Oscar e un ampio consenso critico. Il personaggio di Elias, in particolare la sua iconica scena della morte, rimane impresso nella memoria cinematografica. Elias è spesso analizzato come una figura di “integrità morale” e, in alcune interpretazioni, come incarnazione di tratti “femminili” di sensualità, emozione e cura nel contesto iper-mascolino del film di guerra. Ne L’ombra del vampiro (2000), Dafoe offrì una performance ipnotica e acclamata dalla critica nel ruolo di Max Schreck, un attore che interpreta il Conte Orlok che potrebbe essere o meno un vero vampiro, guadagnandosi la sua seconda nomination all’Oscar. Roger Ebert osservò che Dafoe “incarna lo Schreck di Nosferatu in modo così inquietante che quando vere scene del classico muto vengono inserite nell’inquadratura, non notiamo alcuna differenza”.
Il suo ruolo di supporto come Bobby Hicks, il direttore di motel dal cuore gentile ma stanco in Un sogno chiamato Florida (2017) di Sean Baker, fu universalmente elogiato e gli portò la sua terza nomination all’Oscar, con molti che lo consideravano il suo “più vicino alla vittoria”. Il Bobby di Dafoe funge da “unica influenza stabilizzante e sana” in un mondo di disperazione, intriso di una “gentilezza ardente”. Successivamente, ricevette una nomination come Miglior Attore per la sua profonda interpretazione di Vincent van Gogh in Van Gogh – Sulla soglia dell’eternità (2018) di Julian Schnabel. Kenneth Turan del Los Angeles Times scrisse che il lavoro di Dafoe “sembra andare oltre la recitazione convenzionale, usando l’intuizione tanto quanto la tecnica per addentrarsi profondamente nel personaggio”. Yahoo Entertainment lo descrisse come un “Van Gogh ispirato nel capolavoro impressionista di Julian Schnabel”, una performance che rende la già stimabile filmografia di Dafoe “più completa ed essenziale”.
Nonostante queste potenti e variegate interpretazioni nominate, Dafoe non ha ancora vinto un Oscar. Ha perso contro Michael Caine (Hannah e le sue sorelle), Benicio Del Toro (Traffic), Sam Rockwell (Tre manifesti a Ebbing, Missouri) e Rami Malek (Bohemian Rhapsody). Dafoe sceglie frequentemente ruoli audaci e non convenzionali in film indipendenti e d’essai. Sebbene queste scelte portino spesso al plauso della critica e mostrino la sua incredibile versatilità, potrebbero non allinearsi sempre con i gusti mainstream dell’Academy o possono affrontare una forte concorrenza da parte di performance più tradizionali da “esca da Oscar” in un dato anno. Un commentatore di Reddit ha persino suggerito che Dafoe non “gioca al gioco” delle manovre politiche per l’Oscar, che a volte possono essere un fattore negli esiti dei premi.
L’eredità di Willem Dafoe è quella di un nome familiare la cui carriera è ricca di “interpretazioni degne di premio che non hanno mai visto un adeguato riconoscimento” da parte dell’Academy sotto forma di vittoria. La sua notevole versatilità è evidente nella sua capacità di interpretare figure disparate come Gesù ne L’ultima tentazione di Cristo di Martin Scorsese e il maniacale Green Goblin nello Spider-Man di Sam Raimi. Nel 2020, The New York Times lo ha classificato tra i 25 più grandi attori del XXI secolo, a testimonianza del suo impatto duraturo. La carriera di Dafoe è un affascinante mix di intense esplorazioni d’essai e memorabili caratterizzazioni mainstream. Le sue nomination all’Oscar riflettono questo approccio eclettico. Le sue sconfitte si sono spesso verificate quando si è trovato di fronte ad attori in ruoli drammatici più tradizionali o biopic che l’Academy favorisce frequentemente, o contro attori che vivevano un significativo “momento Oscar”. Il suo incrollabile impegno per ruoli impegnativi, a volte inquietanti, è senza dubbio la sua forza artistica, ma questo stesso impegno potrebbe anche renderlo un candidato più complesso per una vittoria all’Oscar, che spesso richiede un più ampio consenso o una “narrazione” particolarmente forte all’interno della stagione dei premi.
8. Annette Bening: La Brillante e Costante Primadonna
La carriera di Annette Bening, che abbraccia oltre quattro decenni, si distingue per il suo “lavoro versatile tra schermo e palcoscenico”. La sua eredità cinematografica si basa su “eccezionali doti recitative e un impegno incrollabile per il suo mestiere”, offrendo costantemente interpretazioni sfumate che risuonano profondamente con il pubblico. Avendo affinato le sue capacità a teatro, una base evidente nella credibilità delle sue interpretazioni, Bening è passata al cinema con notevole successo.
Bening è stata nominata cinque volte per un Academy Award senza ottenere una vittoria, a testimonianza della sua costante eccellenza e del continuo riconoscimento del suo talento da parte dell’Academy. Le sue nomination includono una come Miglior Attrice Non Protagonista per Rischiose abitudini (1990), e quattro come Miglior Attrice: American Beauty (1999), La diva Julia – Being Julia (2004), I ragazzi stanno bene (2010), e più recentemente, Nyad – Oltre l’oceano (2023).
Il suo ruolo cinematografico di svolta come la seducente truffatrice Myra Langtry nel neo-noir di Stephen Frears Rischiose abitudini (1990) valse a Bening la sua prima nomination all’Oscar e un’ampia attenzione da parte della critica. Roger Ebert notò la sua accattivante “combinazione di sensualità, pericolo e vulnerabilità”, che ricordava le classiche attrici del film noir come Gloria Grahame. Sebbene forse non così esperta all’epoca come i suoi co-protagonisti Anjelica Huston e John Cusack, mostrò un “talento emergente” e infuse un personaggio potenzialmente superficiale di una considerevole profondità. La sua interpretazione nel debutto alla regia di Sam Mendes, American Beauty (1999), nel ruolo della materialista e in disfacimento Carolyn Burnham, le valse un BAFTA Award, un SAG Award e la sua prima nomination all’Oscar come Miglior Attrice. I critici elogiarono la sua capacità di unire commedia e dramma, creando un personaggio che, nonostante i suoi difetti, suscitava simpatia; era il “perfetto opposto del personaggio di Kevin Spacey”.
Bening vinse un Golden Globe per la sua interpretazione della vivace diva del palcoscenico Julia Lambert ne La diva Julia – Being Julia (2004). A.O. Scott del The New York Times elogiò il suo “fascino rapido e vivace” e la sua “effervescenza vertiginosa e spericolata”, mentre Roger Ebert riconobbe che interpretava Julia con “grande verve ed energia” anche se il film stesso era un “melodramma affannoso”. Un altro Golden Globe arrivò per il suo ruolo di Nic, una madre lesbica che naviga complesse dinamiche familiari, ne I ragazzi stanno bene (2010). Il film ricevette ampi consensi, con la performance di Bening, in particolare, che ottenne elogi diffusi. La sua più recente nomination per Nyad – Oltre l’oceano (2023), dove ha interpretato la determinata nuotatrice di lunga distanza Diana Nyad, è stata descritta da alcuni come “impressionante, seppur stoica”, sebbene altri abbiano trovato il film stesso deludente e la performance di Bening “nella media” quando non rappresentava le esigenze fisiche del nuoto.
Il percorso Oscar di Bening l’ha vista perdere contro Whoopi Goldberg (Ghost – Fantasma), Hilary Swank (due volte, per Boys Don’t Cry e Million Dollar Baby), Natalie Portman (Il cigno nero) ed Emma Stone (Povere creature!). La narrazione del suo essere “in ritardo” per un Oscar ha preso piede in particolare dopo le sue due sconfitte contro Hilary Swank. Tuttavia, alcune analisi suggeriscono che la sua performance ne La diva Julia – Being Julia, ad esempio, fosse “appena adeguata” e fortunata ad essere nominata, specialmente se confrontata con la potente interpretazione della Swank in Million Dollar Baby. Si sostiene che, sebbene le performance di Bening siano costantemente forti, a volte mancavano del definitivo “fattore X” dei ruoli da Oscar o si scontravano con interpretazioni iconiche e trasformative delle sue concorrenti (come la Goldberg in Ghost – Fantasma o la prima vittoria della Swank in Boys Don’t Cry).
L’eredità duratura di Annette Bening è quella di un’attrice molto rispettata, nota per la sua costante capacità di connettersi con il pubblico a livello emotivo, la sua sottigliezza e la sua onestà intellettuale. Ha mantenuto una vita relativamente privata, dando priorità al suo mestiere rispetto agli orpelli della celebrità. La sua carriera è segnata da costanti consensi critici e nomination per l’interpretazione di personaggi femminili complessi. Le sue sconfitte, specialmente le due contro Hilary Swank, hanno alimentato una narrazione di “ritardo”. Tuttavia, uno sguardo più attento suggerisce che in quegli anni specifici, i ruoli altamente trasformativi e fisicamente impegnativi della Swank ebbero un impatto da “momento Oscar” più significativo. La forza di Bening risiede in interpretazioni sfumate, spesso internamente complesse, che, sebbene profondamente apprezzate da critici e colleghi (come dimostrano le sue numerose nomination), potrebbero talvolta essere messe in ombra da performance più apertamente drammatiche o fisicamente trasformative che l’Academy premia frequentemente nella categoria Miglior Attrice.
9. Michelle Williams: La Maestra dell’Intensità Silenziosa
Michelle Williams si è distinta come un’attrice di profonda profondità e versatilità, rinomata per i suoi ruoli avvincenti sia al cinema che in televisione e per la scelta frequente di “progetti che sfidano le norme sociali”. Il suo percorso dalla popolare serie adolescenziale Dawson’s Creek a diventare un’attrice cinematografica costantemente acclamata dalla critica è una testimonianza della sua dedizione e del suo talento in evoluzione.
Williams ha ottenuto cinque nomination agli Academy Award, mostrando la sua notevole versatilità: Miglior Attrice Non Protagonista per I segreti di Brokeback Mountain (2005) e Manchester by the Sea (2016); e Miglior Attrice per Blue Valentine (2010), Marilyn (2011) e The Fabelmans (2022).
Il suo ruolo di Alma Beers Del Mar, la moglie che soffre silenziosamente nel rivoluzionario film di Ang Lee I segreti di Brokeback Mountain (2005), valse a Williams la sua prima nomination all’Oscar e un ampio riconoscimento da parte della critica. La sua performance fu notata come “significativamente più forte” di quella di Anne Hathaway (che interpretava la moglie dell’altro protagonista), poiché Alma lotta con la devastante verità dell’amore nascosto di suo marito. La stessa Williams rimane perplessa per la controversa sconfitta de I segreti di Brokeback Mountain come Miglior Film contro Crash – Contatto fisico, un sentimento condiviso da molti che la considerano una significativa ingiustizia degli Oscar. Per Blue Valentine (2010), Williams ricevette una nomination come Miglior Attrice per la sua interpretazione cruda ed emotivamente risonante di Cindy in un matrimonio in disfacimento. Descritta come un'”attrice cruda e trasparente”, le sue emozioni nel film sembravano “sismiche anche quando il suo viso era immobile”. Lei e il co-protagonista Ryan Gosling furono elogiati per aver mostrato “emozioni nude sullo schermo”.
La sua trasformazione nel ruolo di Marilyn Monroe in Marilyn (2011) le valse un Golden Globe Award e un’altra nomination all’Oscar come Miglior Attrice. I critici trovarono la sua performance “davvero notevole”, con un recensore che affermò che Williams era “così convincente nell’aspetto e nei modi come Marilyn che non pensavo di guardare Michelle Williams”. Fu nuovamente nominata come Miglior Attrice Non Protagonista per il suo breve ma potente ruolo di Randi Chandler in Manchester by the Sea (2016). Sebbene il suo tempo sullo schermo fosse limitato, la sua performance fu descritta come un “tesoro da ammirare”, con una scena di confronto cruciale con Casey Affleck ritenuta singolarmente “degna di Oscar”. Più recentemente, ha ricevuto una nomination come Miglior Attrice per aver interpretato Mitzi Fabelman, un personaggio basato sulla madre di Steven Spielberg, in The Fabelmans (2022). Mentre alcuni critici trovarono la sua performance “sopra le righe”, si sostenne che catturasse accuratamente l’eccentricità unica della vera Leah Adler, come dimostrato da filmati d’archivio della stessa Adler.
Il percorso Oscar della Williams l’ha vista perdere contro Rachel Weisz (The Constant Gardener – La cospirazione), Natalie Portman (Il cigno nero), Meryl Streep (The Iron Lady), Viola Davis (Barriere) e Michelle Yeoh (Everything Everywhere All at Once). Queste sono state tutte performance molto acclamate, spesso dominanti nei rispettivi anni. Williams eccelle frequentemente in ruoli che richiedono profonda profondità emotiva e sottigliezza, interpretando spesso personaggi che lottano con il lutto, relazioni complesse o intense turbolenze interiori. Pur ottenendo costantemente nomination per queste interpretazioni potenti e sfumate, si è spesso trovata di fronte a vincitrici che avevano ruoli altamente visibili e trasformativi o facevano parte di contendenti “travolgenti” per il Miglior Film. La sua notevole capacità di scomparire nei personaggi, come ha fatto con Marilyn Monroe, è un segno distintivo del suo talento. Tuttavia, la stessa sottigliezza e intensità silenziosa che rendono le sue performance così acclamate dalla critica potrebbero renderle meno “rumorose” o apertamente “teatrali” in un campo Oscar competitivo che a volte favorisce manifestazioni di recitazione più dimostrative.
L’eredità di Michelle Williams è quella di una delle attrici più rispettate della sua generazione, ammirata per il suo talento, la sua dedizione e la profonda profondità che porta a ogni personaggio. Il suo impegno per la giustizia sociale e l’uguaglianza di genere aumenta ulteriormente il suo impatto oltre lo schermo. Il suo costante riconoscimento agli Oscar per ruoli che richiedono un lavoro emotivo così sfumato la dice lunga sulla sua abilità, anche se il premio finale è rimasto elusivo contro una concorrenza formidabile.
10. Sir Ian McKellen: Il Cavaliere Teatrale del Palcoscenico e dello Schermo
Sir Ian McKellen è “ampiamente considerato uno dei più grandi attori di teatro e cinema” della sua generazione, un interprete versatile acclamato per la sua padronanza di personaggi che vanno dal canone shakespeariano a figure contemporanee. Co-fondatore dell’influente Actors’ Company e prominente attivista per i diritti dei gay, McKellen è stato nominato cavaliere nel 1991 per i suoi servizi alle arti performative. La sua carriera è una testimonianza imponente della dedizione sia al teatro che al cinema.
McKellen ha ricevuto due nomination agli Academy Award: Miglior Attore per la sua interpretazione del regista James Whale in Demoni e dei (1998), e Miglior Attore Non Protagonista per il suo iconico ruolo di Gandalf il Grigio ne Il Signore degli Anelli – La Compagnia dell’Anello (2001).
La sua performance nel ruolo dell’anziano e tormentato regista James Whale in Demoni e dei (1998) gli valse la sua prima nomination all’Oscar e una candidatura ai Golden Globe. I critici acclamarono il suo lavoro, con James Berardinelli che affermò che McKellen “riconferma perché molti lo considerano il miglior attore shakespeariano della sua generazione”, portando Whale alla vita con “una potente combinazione di energia e incertezza”. Il film stesso fu descritto come un “film straordinariamente aggraziato sul desiderio, l’invecchiamento e la cre-“, offrendo uno sguardo romanzato e toccante sugli ultimi giorni di Whale, esplorando un’improbabile amicizia e le ombre persistenti del passato. La seconda nomination di McKellen arrivò per la sua interpretazione globalmente riconosciuta del saggio mago Gandalf nell’epico film di Peter Jackson Il Signore degli Anelli – La Compagnia dell’Anello (2001). La sua performance fu lodata come “positivamente Merlinesca”, e fu elogiato per aver incarnato il mago con immensa credibilità, conferendo a Gandalf un'”aria di affettuosità da nonno, che poteva passare impeccabilmente a un potere imponente”.
Nonostante queste interpretazioni molto acclamate, Sir Ian non ha ancora vinto un Oscar. Perse come Miglior Attore per Demoni e dei contro Roberto Benigni per il suo ruolo intensamente emotivo e ampiamente amato ne La vita è bella. Per Il Signore degli Anelli, perse come Miglior Attore Non Protagonista contro Jim Broadbent per la sua toccante interpretazione in Iris – Un amore vero. In entrambi i casi, la concorrenza era eccezionalmente forte. La vittoria di Benigni faceva parte di un significativo momento internazionale per La vita è bella, un film che catturò il sentimento globale. Jim Broadbent era un attore veterano molto rispettato che offriva una performance toccante in un dramma tradizionale.
L’eredità di Sir Ian McKellen è monumentale, cementata dal suo status leggendario a teatro (dove ha vinto numerosi Olivier e Tony Awards) e dai suoi ruoli iconici in importanti franchise cinematografici, in particolare come Gandalf ne Il Signore degli Anelli e Magneto nella serie X-Men. Il suo contributo alla cultura popolare attraverso questi ruoli è immenso e innegabile. Le nomination all’Oscar di McKellen sono arrivate per ruoli che hanno brillantemente messo in mostra la sua formazione classica e la sua profonda capacità di incarnare complesse figure storiche e letterarie. Le sue sconfitte sono state a favore di attori che hanno offerto performance altamente emotive o tradizionalmente drammatiche che hanno fortemente risuonato con i votanti dell’Academy in quegli anni specifici. C’è anche una tendenza storica da parte dell’Academy a trascurare talvolta le performance nei film fantasy per i principali premi di recitazione, nonostante il successo critico e commerciale complessivo dei film, a meno che la performance non sia schiacciantemente dominante o porti con sé una narrazione particolarmente avvincente nella stagione dei premi. L’impatto duraturo di McKellen, tuttavia, trascende qualsiasi singolo premio.
Perché l’Oro Sfugge ad Alcuni Grandi
Il viaggio verso una vittoria all’Oscar è spesso più complesso della semplice offerta di una performance brillante. Diverse correnti sotterranee e dinamiche del settore possono influenzare il motivo per cui alcuni degli attori più dotati si trovano ripetutamente nominati ma alla fine non incoronati.
Il Fattore “Narrativa” e la Campagna Elettorale: Gli Academy Awards non vengono decisi nel vuoto; sono influenzati da narrazioni che si costruiscono durante la stagione dei premi. Fattori come un attore “in predicato” per una vittoria, una “storia di ritorno”, o persino un “Oscar di riparazione” per compensare precedenti, percepite esclusioni possono giocare un ruolo significativo nell’influenzare i votanti. Anche la campagna attiva da parte di studi e individui è un elemento cruciale. Alcuni attori, come Ralph Fiennes, hanno ammesso apertamente di non impegnarsi in vigorose campagne. Al contrario, Samuel L. Jackson è stato schietto sulla sua convinzione che l’onore risieda nel vincere, non solo nell’essere nominato, riflettendo una comprensione della natura competitiva dei premi. Gli Oscar, quindi, non sono solo un giudizio sul merito sullo schermo, ma anche un riflesso di quanto efficacemente una performance e un attore vengano “venduti” all’Academy. Una “storia da Oscar” avvincente può talvolta dare un vantaggio a un candidato rispetto a un altro, indipendentemente dal talento grezzo mostrato.
Forte Competizione e “Tempismo Sbagliato”: Forse la ragione più diretta per molte quasi vittorie è la pura forza della competizione in un dato anno. Molti degli attori in questa lista si sono trovati contrapposti a performance iconiche, irripetibili, o in anni in cui le categorie di recitazione erano eccezionalmente affollate di lavori eccezionali. Un classico esempio è la performance imponente di Peter O’Toole in Lawrence d’Arabia che perse contro l’amato Atticus Finch di Gregory Peck ne Il buio oltre la siepe — la quinta e ultima nomination di Peck, che culminò in una vittoria. Glenn Close e Amy Adams, ad esempio, hanno costantemente affrontato vincitrici che hanno offerto performance potentissime o hanno beneficiato di forti narrazioni cinematografiche. Una vittoria all’Oscar è quindi altamente contingente al specifico panorama competitivo di un particolare anno; una performance che avrebbe potuto trionfare in un campo meno affollato può facilmente essere messa in ombra quando emergono più contendenti eccezionali.
Pregiudizi di Genere e Preferenze dell’Academy: L’Academy ha storicamente dimostrato certe preferenze quando si tratta di premi di recitazione. I ruoli drammatici sono stati tradizionalmente favoriti rispetto alle performance in commedie, fantascienza, horror o film d’azione. La nomination come Miglior Attrice di Sigourney Weaver per il film d’azione fantascientifico Aliens – Scontro finale è stata un risultato storico, sfidando queste norme, ma non si è tradotta in una vittoria. L’unica nomination di Bill Murray per Lost in Translation – L’amore tradotto, un film che fonde commedia sfumata e dramma, si allinea con questo pattern di riconoscere lavori che mescolano i generi ma non sempre premiarli con il massimo riconoscimento. Allo stesso modo, le nomination di Johnny Depp sono spesso arrivate per ruoli più fantastici o stilizzati. Inoltre, l’Academy mostra spesso una predilezione per “performance più grandi e vistose”, in particolare nella categoria Miglior Attore, o ruoli che comportano significative trasformazioni fisiche. Di conseguenza, performance sottili e interiorizzate, come l’acclamato lavoro di Ralph Fiennes in Conclave (la cui nomination è attesa per gli Oscar 2025), rischiano di essere trascurate a favore di una recitazione più apertamente dimostrativa. Ciò suggerisce che il tipo di ruolo e il genere del film possono influenzare significativamente le prospettive Oscar di un attore, con il plauso della critica all’interno di un genere “meno prestigioso” (per i premi di recitazione) o per una performance sfumata che non sempre si traduce in una vittoria all’Oscar con la stessa facilità di un ruolo trasformativo in un tradizionale dramma da “esca da Oscar”.
Corpus di Lavori vs. Singola Performance: Il processo di voto dell’Academy può talvolta riflettere il desiderio di onorare l’intera carriera di un stimato veterano con un “Oscar alla carriera” o un “premio alla carriera”, piuttosto che concentrarsi strettamente sulla singola performance nominata di quell’anno. Ciò può significare che un altro attore con una performance particolarmente meritevole in quello specifico anno potrebbe perdere. Al contrario, attori con un corpus di lavori costantemente forte e acclamato, come molti in questa lista, potrebbero trovarsi ripetutamente nominati, con i votanti che forse presumono “prima o poi vinceranno”. Questa diffusione di urgenza può rendere più difficile per una singola performance emergere, a meno che non sia schiacciantemente innegabile o si allinei perfettamente con una narrazione avvincente del tipo “è finalmente il loro turno”. La decisione dell’Oscar, quindi, diventa spesso un complesso intreccio tra premiare la “migliore” performance dell’anno e riconoscere un lungo e distinto contributo al cinema.
Il “Troppo Difficile Scegliere” / Divisione dei Voti: Sebbene non sempre esplicitamente dimostrabile per casi individuali, i meccanismi del voto Oscar possono portare a esiti inaspettati, specialmente in anni altamente competitivi. In categorie affollate di molteplici performance amate, i voti possono disperdersi. In un sistema di ballottaggio preferenziale (usato per il Miglior Film) o un voto di pluralità (usato per le categorie di recitazione), una performance che raccoglie una base di supporto forte e consolidata potrebbe emergere vittoriosa su diverse altre eccellenti performance che dividono i voti rimanenti. Questo è un fattore più speculativo ma rimane una dinamica nota nelle corse agli Oscar, dove un campo affollato di talenti eccezionali può talvolta portare a risultati sorprendenti.
Oltre la Statuetta
Il fascino di un Academy Award rimane potente a Hollywood, un simbolo di riconoscimento da parte dei colleghi e di eccellenza cinematografica. Eppure, come dimostrano le carriere di questi dieci straordinari attori – e di molti altri come loro – l’assenza di questa particolare statuetta dorata fa ben poco per diminuire il loro profondo impatto sull’arte del cinema. Le loro filmografie sono ricche di “lavoro esemplare”, ruoli iconici e performance che non solo hanno ottenuto il plauso della critica e molteplici nomination all’Oscar, ma hanno anche profondamente risuonato con il pubblico di tutto il mondo, plasmando la storia del cinema in modi indelebili.
Sebbene una vittoria all’Oscar possa indubbiamente elevare una carriera e fornire un momento di massima convalida da parte dell’industria, la vera misura del contributo di questi attori risiede nel potere duraturo delle loro performance. L’intensità agghiacciante di Glenn Close, il fascino versatile di Amy Adams, la profondità camaleontica di Edward Norton, la minaccia sfumata di Ralph Fiennes, l’innegabile coolness di Samuel L. Jackson, la forza pionieristica di Sigourney Weaver, l’arte impavida di Willem Dafoe, la brillantezza costante di Annette Bening, l’intensità silenziosa di Michelle Williams e la gravitas teatrale di Sir Ian McKellen – queste qualità hanno arricchito il cinema ben oltre i confini di qualsiasi singola cerimonia di premiazione.
Le loro eredità sono sicure, costruite su una base di talento eccezionale, dedizione al loro mestiere e una collezione di personaggi indimenticabili che continuano a ispirare e affascinare. L’Oscar potrebbe essergli sfuggito finora, ma i loro straordinari contributi al mondo del cinema sono innegabili e resisteranno senza dubbio alla prova del tempo.
