LONDRA – La galleria Lévy Gorvy Dayan è orgogliosa di annunciare l’inaugurazione di una mostra personale dedicata alle nuove opere pittoriche dell’artista newyorkese N. Dash, che segna l’apertura della nuova sede della galleria nel distretto di Mayfair, a Londra. La mostra, la prima personale dell’artista presso la galleria, verrà inaugurata il 25 aprile 2024, e comprenderà dipinti multi-telaio che esplorano le ecologie di risonanza fra materiali disparati. Il lavoro di N. Dash si distingue per la sua capacità di unire sostanze organiche, oggetti manufatti e immagini derivanti da processi corporei, enfatizzando l’esperienza tattile attraverso superfici controllate e luminose, che attirano l’attenzione sugli effetti sottili ma significativi del tatto.
Le opere di N. Dash attingono agli elementi fondamentali dei nostri mondi naturale e costruito, includendo terra e acqua, iuta e cotone, grafite e olio, insieme ad elementi di fabbricazione spesso trascurati come l’isolamento architettonico e il cartone prodotto industrialmente. Nei lavori esposti in mostra, questi elementi vengono ricombinati in modo da evidenziare le sinergie e le tensioni strutturali, testurali ed energetiche fra essi. Un’opera dal colore simile al rame patinato potrebbe includere isolamento in polistirene, o un’immagine potrebbe essere serigrafata su un pannello su cui la terra è stata spalmata e asciugata formando una superficie screpolata e solcata. Ci sono scivolamenti tra i molti materiali, processi e significati evocati in questi dipinti, tutti tenuti insieme da decisioni attente e misurate.
Al centro dell’opera di N. Dash c’è un rituale quotidiano in cui l’artista strofina un pezzetto di cotone bianco fra dito e pollice finché le fibre tessute a macchina non si sfilacciano e perdono la loro struttura grigliata, decomponendosi in un groviglio abiecto. Per l’artista, il tessuto funge da dispositivo di registrazione su cui sono impresse azioni, è catturata energia e sono conservate forze immateriali. Le sculture risultanti sono colorate da una patina di sporco e oli, trasformate dal movimento spontaneo del corpo dell’artista. La griglia, una delle forme paradigmatiche del modernismo, è continuamente disfatta nella mano dell’artista—at traverso il corpo, il clima e l’ambiente. L’artista fotografa iterazioni di queste sculture e serigrafa le immagini su pannelli preparati con terra, in modo tale che le immagini ondeggiino secondo la topografia della terra. Inoltre, piani di colore vengono serigrafati, lasciando campi di motivi a rosetta che risultano dal processo di stampa in mezzetinte.
I bordi smussati delle opere rivelano i loro substrati terrosi, permettendo loro di “respirare”. In questi margini scolpiti, i strati di terra, gesso e iuta sono resi visibili, esponendo la struttura quasi geologica di ogni pannello. Questa strategia appare diversamente in una serie di lavori in cui corde sono incorporate o scavate dai suoli terrosi, quest’ultimi creando sottili trincee di spazio negativo, dove la materialità dell’opera è esposta e grezza. Preoccupazioni ecologiche percorrono queste pitture con riferimenti all’interconnessione e intervento umano e non umano. Esaminano, su una scala intima, l’impatto del tatto sulle risorse naturali e riflettono sul modo in cui i materiali sintetici contengono, modellano e si fondono con l’ambiente. Qui, Photoshop può imitare un campo di fiori con un motivo di stampa algoritmico, ma una rosetta rimane ancora un campo di uni e zeri. Queste questioni di mimesi, artificialità e sfruttamento sono in gioco in queste pitture, ma in modo sottile. Attraverso le opere in mostra, la natura e i sottoprodotti della fabbricazione sono contrapposti su palcoscenici verticali di terra, elevando questo materiale fondamentale e fonte.
