Il nuovo film thailandese Same Day with Someone si presenta, in superficie, come una commedia romantica costruita attorno al familiare tropo cinematografico del loop temporale. La premessa è semplice: una giovane donna privilegiata è costretta a rivivere il peggior giorno della sua vita finché non trova un modo per spezzare il ciclo. Sebbene i paragoni con opere canoniche del sottogenere come Ricomincio da capo siano inevitabili, tali parallelismi si rivelano riduttivi. Il film, una produzione Netflix della durata di 118 minuti, dimostra un’agenda più deliberata e ambiziosa. Sfrutta la cornice accessibile di una commedia romantica “high-concept” non come fine a se stessa, ma come un sofisticato veicolo narrativo per un’esplorazione sfumata e profondamente sentita del trauma psicologico e della guarigione. L’intenzione dichiarata dei registi di creare un’opera che si distingua dalle tipiche produzioni di genere è evidente fin dalle sue fondamenta concettuali. La sceneggiatura, firmata da Rangsima Akarawiwat, è nata dall’esperienza di consolare un’amica dal cuore spezzato, portando alla decisione consapevole ed esplicita di allegorizzare le cinque fasi del lutto all’interno della struttura iterativa di un loop temporale. Ciò posiziona il film come una ponderata sovversione del suo genere, utilizzando la meccanica della ripetizione per mappare il complesso e non lineare processo di guarigione.
L’architettura di questo giorno che si ripete è meticolosamente progettata per decostruire la vita, a sua volta meticolosamente costruita, della protagonista. Ci viene presentata Mesa Worathepanant, una curatrice dell’alta società la cui esistenza è un testamento di ordine, prestigio e controllo. La sua giornata catastrofica, l’8 agosto 2025, si svolge come un duplice assalto alla sua identità. In primo luogo, il fidanzato dei suoi sogni, un’affascinante figura interpretata da Trisanu Soranun, pone bruscamente fine alla loro relazione, mandando in frantumi la sua narrazione personale di un futuro perfetto. Contemporaneamente, subisce un cataclisma professionale quando un manufatto di valore inestimabile sotto la sua cura, la sacra Pietra di Sirisila, viene danneggiato. Questa confluenza di fallimenti personali e professionali crea il crogiolo in cui è intrappolata. La scelta della professione è tematicamente risonante; la vocazione di un curatore è la conservazione e l’organizzazione di oggetti, la costruzione attenta di narrazioni attorno al valore e alla storia. La vita di Mesa è, in sostanza, una mostra curata del successo. Il loop temporale, quindi, diventa l’antitesi definitiva del suo essere, uno stato di profonda impotenza che costringe questa maestra del controllo a confrontarsi con una realtà caotica che non può più organizzare, catalogare o contenere.
Nel suo nucleo, il film funziona come una avvincente esternalizzazione di un processo psicologico interno. L’espediente narrativo del loop temporale fornisce una grammatica visiva e tangibile per l’esperienza emotiva astratta del lutto. La sceneggiatura di Rangsima Akarawiwat trasforma il modello di Kübler-Ross in una serie di azioni narrative, permettendo al pubblico di assistere al viaggio di Mesa attraverso la negazione, la rabbia, il patteggiamento, la depressione e l’eventuale accettazione non come un monologo interiore, ma come una sequenza di esperimenti osservabili per tentativi ed errori. Nei primi loop, le sue azioni sono probabilmente caratterizzate da una negazione frenetica, nel tentativo di rimediare ai disastri della giornata con soluzioni superficiali. Man mano che la futilità di questo approccio diventa chiara, il suo comportamento cambia, passando attraverso una rabbia distruttiva e una disperata negoziazione con l’universo e le figure che popolano la sua giornata. Segue un periodo di rassegnazione apatica, un chiaro analogo della depressione, prima che inizi ad affrontare il giorno che si ripete non come una prigione da cui fuggire, ma come un puzzle da comprendere. Questa scelta strutturale permette al film di esplorare la natura spesso ripetitiva dell’elaborazione del trauma, dove il progresso non è sempre lineare. L’obiettivo dichiarato della produzione era quello di offrire qualcosa di rassicurante come l’abbraccio di un amico, e lo raggiunge demistificando il processo di guarigione, presentandolo come un viaggio difficile ma navigabile verso una nuova prospettiva sulle sfide della vita.
Questa narrazione psicologica è supportata da una messa in scena ricca e simbolica. Il film è ambientato nel paese fittizio di Chinlin, una scelta deliberata di costruzione del mondo che stacca la storia da una specifica realtà contemporanea e la colloca in uno spazio leggermente mitizzato, quasi fiabesco, dove un evento allegorico come un loop temporale sembra più plausibile. L’estetica di Chinlin è una composizione ispirata all’arte di diversi paesi dell’Asia orientale, creando un paesaggio visivo unico. Centrale in questo mondo è il grandioso e realistico Museo Worathepanant, che funge da potente metafora della psiche stessa di Mesa: esteriormente perfetto, ordinato e imponente, ma contenente un nucleo fragile che sta per andare in frantumi. La scenografia è piena di quello che i registi descrivono come simbolismo nascosto, invitando a una visione attenta. Il più significativo di questi è la venerata statua della Dea del Nastro Rosso, un oggetto il cui design, ispirato all’arte tibetana, incorpora un nastro rosso legato a formare un simbolo dell’infinito. Questa è un’articolazione visiva diretta del tema centrale del film dei cicli senza fine, un indizio non verbale che rafforza la situazione della protagonista. Anche il guardaroba di Mesa è intriso di significato, ogni abito riflette il suo stato iniziale di perfezione curata e cambia sottilmente man mano che il suo paesaggio interiore si trasforma. Gli elementi estetici non sono meramente decorativi; sono componenti integrali dell’architettura tematica del film.
La formidabile sfida di questa struttura narrativa ricade sugli interpreti, in particolare sull’attrice protagonista, Jarinporn Joonkiat. Figura affermata e pluripremiata del cinema thailandese, il compito di Joonkiat è quello di interpretare un personaggio esternamente statico ma interiormente dinamico. La sua performance deve funzionare come un palinsesto, in cui ogni iterazione del giorno è stratificata con il peso psicologico cumulativo di tutti i loop precedenti. Deve trasmettere la crescente frustrazione, la disperazione e l’eventuale saggezza acquisita da ogni fallimento, assicurando che il pubblico percepisca le tracce dei tentativi passati sotto la superficie di ogni “nuovo” giorno. La sua interpretazione della brillante e genuina gentilezza di Mesa diventa la base su cui viene misurata la sua trasformazione. Il catalizzatore di questa trasformazione appare sotto forma di Ben, un accattivante e nerd collega curatore interpretato da Warintorn Panhakarn, un veterano dei drama televisivi thailandesi. Nella loro prima apparizione insieme sullo schermo, la loro dinamica fornisce l’ancora emotiva del film. Ben rappresenta l’unica variabile significativa nell’equazione ripetitiva di Mesa, la persona con cui può forgiare un nuovo schema di interazione. L’arco narrativo è guidato dalla sua relazione in evoluzione con lui attraverso i loop, passando dal disprezzo iniziale a una graduale dipendenza e connessione. Il cast corale, che include Charlette Wasita Hermenau come importante collega di Mesa e Jaturong Phonboon che offre la sua genialità comica, contribuisce a una chimica genuina che ancora la premessa “high-concept” in un’interazione umana credibile, un marchio di fabbrica degli stili di recitazione thailandesi che spesso cercano un “divenire” naturalistico del personaggio.
In definitiva, Same Day with Someone è un’opera di notevole maturità artistica per i suoi creatori chiave. Il regista Yanyong Kuruangkura, i cui film precedenti come App War e Mother Gamer mescolavano abilmente la commedia con il commento sociale contemporaneo, si sposta con successo verso una narrazione più interiore e incentrata sui personaggi. La consolidata partnership creativa con la sceneggiatrice Rangsima Akarawiwat, che ha anche scritto App War, permette loro di applicare la loro comprovata abilità per premesse coinvolgenti e “high-concept” a un soggetto di maggiore profondità emotiva. Il film realizza l’ambizione di Kuruangkura di creare qualcosa che si distingua dalla tipica commedia romatica, utilizzando i tropi del genere come base per un’indagine più profonda sulla capacità umana di resilienza. È una storia che scalda il cuore, ma che si guadagna il suo calore attraverso un’attenta analisi del dolore. Il messaggio finale del film è di un ottimismo terapeutico: i loop apparentemente ineluttabili delle nostre vite, che nascano dal lutto o dalla routine, non sono semplici prigioni ma possono essere crogioli per la rivalutazione, la crescita e la scoperta di nuove connessioni. Questa commovente avventura è disponibile per lo streaming mondiale su Netflix. Il film è uscito il 18 settembre.
