Il nuovo film di Netflix, Ruth & Boaz, si colloca nella lunga e variegata tradizione dell’esegesi biblica cinematografica, un duplice processo di interpretazione che coinvolge sia le scelte produttive del regista sia la ricezione attiva del pubblico. Più che una ricostruzione storica, l’opera è una deliberata trasposizione, una strategia nell’adattamento biblico moderno che riduce la distanza immaginativa ed emotiva per il pubblico contemporaneo, trasferendo narrazioni antiche in un contesto culturale familiare. Il film stabilisce una netta dicotomia tra due di questi ambienti: la scena hip-hop di Atlanta, altamente competitiva e guidata dal commercio, e la quiete pastorale del Tennessee rurale. Questi scenari diventano le arene principali di un dramma morale moderno che esplora i temi della lealtà, del lutto e della redenzione. Le origini concettuali del progetto sono degne di nota, non derivando da una convenzionale proposta di studio, ma direttamente dall’impegno teologico del produttore DeVon Franklin con il materiale originale. Il film è stato concepito mentre Franklin, che è anche un predicatore, stava sviluppando una serie di sermoni sul Libro di Rut. In questo processo, ha identificato una significativa lacuna nel panorama culturale: l’assenza di un adattamento moderno di questa particolare storia incentrato su personaggi di colore. Questa intuizione pastorale è confluita nella sua ricerca professionale di un progetto inaugurale per la sua partnership cinematografica a tema religioso con il produttore Tyler Perry, fornendo a Ruth & Boaz una distintiva intenzionalità autoriale radicata nel ministero e nel messaggio culturale.
Una narrazione di redenzione moderna
La sceneggiatura, firmata da Michael Elliot e Cory Tynan, reinterpreta meticolosamente gli archetipi biblici per un pubblico moderno. La protagonista, Ruth Moably, interpretata da Serayah McNeill, è reimmaginata come un’artista hip-hop emergente sul punto di firmare un importante contratto discografico. Una tragedia personale — la morte del suo fidanzato — funge da catalizzatore per abbandonare questa carriera fiorente e la vita sfarzosa che rappresenta. Rispettando il modello scritturale di lealtà incrollabile, si trasferisce in una piccola città del Tennessee per prendersi cura di Naomi, la madre in lutto del suo defunto fidanzato, interpretata da Phylicia Rashad. È in questo nuovo e sconosciuto ambiente che incontra la figura del parente-redentore del film, Boaz, un proprietario di vigneti interpretato da Tyler Lepley. L’arco narrativo segue lo sviluppo della loro storia d’amore mentre Ruth affronta il trauma irrisolto del suo passato e approfondisce le sue convinzioni spirituali. La scelta di ambientare il dominio di Boaz in un vigneto, anziché nei campi d’orzo del testo originale, è una sostituzione simbolica potente e deliberata. Nel lessico giudaico-cristiano, il vigneto è un simbolo ricorrente e potente di benedizione divina, lavoro fruttuoso e del popolo eletto di Dio. Questa ambientazione è posta in diretta opposizione alla scena musicale di Atlanta che Ruth si lascia alle spalle, un mondo descritto come transazionale e, in definitiva, insoddisfacente. Il suo viaggio fisico dal palcoscenico al vigneto funziona quindi come una chiara metafora visiva della sua transizione spirituale ed emotiva da una vita di ambizione mondana a una di guarigione, crescita e provvidenza divina. La selezione degli sceneggiatori sottolinea ulteriormente la profondità strategica della produzione. Michael Elliot è l’autore di film culturalmente significativi come Brown Sugar e Carmen: A Hip Hopera, mentre Cory Tynan ha scritto Play’d: A Hip Hop Story. La loro filmografia collettiva dimostra una competenza specifica e comprovata in narrazioni che fondono autenticamente il romanticismo nero con le complessità della cultura musicale, garantendo che la premessa fondamentale del film sia ancorata a una costruzione del mondo credibile.
Interpretazione e caratterizzazione
Il peso tematico del film è sostenuto dal suo cast principale. Serayah McNeill, il cui lavoro in Empire l’ha familiarizzata con le narrazioni dell’industria musicale, ritrae il viaggio di Ruth attraverso il lutto, lo spaesamento e la riscoperta finale di uno scopo. Tyler Lepley, noto per i ruoli in P-Valley e Harlem, incarna Boaz non come un salvatore mitologico, ma come un uomo concreto e generoso il cui amore è presentato come incondizionato e non transazionale. La loro chimica sullo schermo è centrale nel cuore romantico del film, una dinamica resa più complessa dalle sue insolite origini fuori scena. I due attori sono stati scelti mentre recitavano contemporaneamente come fratello e sorella in un film horror intitolato Goons. Questo rapporto professionale preesistente, forgiato in un contesto di genere nettamente diverso, ha dovuto essere trasmutato in una connessione romantica e a tema religioso, aggiungendo un unico strato intertestuale alla loro interpretazione. L’attrice veterana Phylicia Rashad, nel ruolo della matriarca Naomi, funge da ancora emotiva della storia, conferendo una notevole gravitas drammatica agli eventi. A migliorare ulteriormente la verosimiglianza del film è la presenza di diverse celebrità dell’industria musicale in ruoli di supporto, tra cui Kenneth “Babyface” Edmonds, Jermaine Dupri, il rapper cristiano Lecrae e Yung Joc. La loro presenza conferisce un’autenticità immediata alle scene ambientate nel mondo musicale di Atlanta, ancorando il conflitto iniziale della narrazione a una realtà riconoscibile.
Il paesaggio cinematografico e sonoro
L’estetica del film è plasmata da un team creativo il cui lavoro precedente segnala un impegno per la sostanza drammatica. La regia è di Alanna Brown, il cui debutto cinematografico, Gli alberi della pace, è stato un dramma di sopravvivenza claustrofobico e straziante su quattro donne nascoste durante il genocidio in Ruanda. La sua consolidata abilità nella narrazione intensa e incentrata sui personaggi e nella creazione di legami umani in condizioni di estrema difficoltà informa il nucleo emotivo di Ruth & Boaz, elevandolo oltre le convenzioni di una storia d’amore leggera. Ingaggiando una regista la cui forza comprovata risiede nel rappresentare la resilienza nel crogiolo della sofferenza, i produttori sottolineano l’intento di scavare nei profondi fondamenti psicologici ed emotivi della narrazione biblica. Lo stile registico di Brown si concentra spesso su ambientazioni intime per esplorare situazioni immense e terrificanti, promuovendo una comprensione più profonda dell’umanità e trattando argomenti maturi con delicatezza piuttosto che con sensazionalismo. Questa visione registica è resa attraverso il linguaggio visivo creato dal direttore della fotografia Michael Negrin. Il suo lavoro stabilisce un chiaro contrasto tematico tra le due ambientazioni principali del film, utilizzando schemi di illuminazione, palette di colori e strategie compositive distinte per differenziare l’energia frenetica di Atlanta dall’atmosfera tranquilla e ristoratrice del Tennessee rurale. L’identità sonora del film è altrettanto cruciale. La colonna sonora è composta da Kurt Farquhar, un compositore veterano con una profonda e influente storia nella sonorizzazione di serie televisive nere, avendo lavorato a show da Moesha a Black Lightning. Il suo approccio è notevolmente versatile; piuttosto che aderire a un unico stile, lascia che la storia e i personaggi guidino la sua mano musicale, considerandosi uno strumento per registi e produttori. Questa adattabilità, unita a una storia personale che egli attribuisce alla promozione di una profonda empatia, rende le sue composizioni particolarmente efficaci in contesti drammatici. Anche la musica diegetica è un dispositivo narrativo chiave. Una canzone originale intitolata “Faithful”, composta da Kenneth “Babyface” Edmonds ed eseguita da Serayah, funge da espressione diretta dello stato interiore della protagonista, articolando l’arco del suo personaggio e la progressione tematica centrale del film, dalla disperazione alla speranza.
Un intervento culturale
Come prodotto culturale, Ruth & Boaz rappresenta un’iniziativa significativa e strategica. È il progetto inaugurale della prestigiosa partnership tra Tyler Perry e DeVon Franklin, una collaborazione esplicitamente progettata per produrre una serie di film a tema religioso per la piattaforma globale di Netflix. La missione dichiarata del film è quella di “diffondere un po’ di bene” e “sollevare lo spirito umano”, posizionandolo come una contro-narrazione intenzionale a quello che i produttori descrivono come un mondo sempre più freddo e polarizzante. Questa impresa è una convergenza strategica di tre entità potenti: il formidabile impero di produzione e il pubblico consolidato di Tyler Perry, il marchio di media ispiratori mainstream di DeVon Franklin e la distribuzione globale senza pari e l’accesso al mercato basato sui dati di Netflix.
Il film è stato presentato in anteprima su Netflix il 26 settembre.
