Undici artisti coreani e giapponesi riscrivono la mappa dell’interiorità a Seoul

ARARIO GALLERY porta ad ART OnO 2026, al SETEC di Seoul, undici artisti coreani e giapponesi in una presentazione che non cerca lo spettacolo ma lo scava — verso l’interno, verso il rimosso, verso la materia del sé.

C’è una qualità di ritiro nell’opera che ARARIO GALLERY ha riunito al Booth 101. Non fuga — ritiro come metodo artistico. I dipinti, le sculture e le installazioni qui radunati condividono un rifiuto di esibirsi verso l’esterno. Comprimono. Si volgono verso il sé, la memoria, l’ansia appena percettibile che opera sotto la superficie dell’esperienza ordinaria. È una postura che la tradizione critica italiana riconoscerebbe: non quella dell’Arte Povera, con la sua vocazione materica e politica, ma qualcosa di più vicino alla pittura analitica degli anni Settanta — l’atto di guardare verso l’interno come atto critico in sé.

SIM Raejung rende questa postura strutturale: solitudine, impotenza, il conflitto tra istinto e norma sociale, tradotti in pittura e installazione con immagini che destabilizzano senza spiegarsi. KANG Cheolgyu, la cui mostra personale ad ARARIO GALLERY SEOUL aprirà nel maggio 2026, lavora attraverso ciò che lui stesso chiama proiezione — desiderio personale e storia emotiva tradotti in mondi fittizi, l’autobiografia del sentire piuttosto che dell’accadere. Insieme, questi due artisti enunciano la tesi del booth prima ancora che si incontrino le altre opere.

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La tesi si approfondisce attraverso tre registri ulteriori. KOO Jiyoon, AN Gyungsu e Kohei YAMADA — nati rispettivamente nel 1982, nel 1975 e nel 1997 — affrontano ciascuno il paesaggio, ma nessuna versione di paesaggio qui è consolante o panoramica. KOO legge le città attraverso le loro superfici invecchiate e il loro sedimento temporale, gli edifici come tempo psicologico accumulato. AN Gyungsu trova i suoi soggetti ai margini dello spazio urbano, in materiali e luoghi apparentemente trascurati, scoprendo in quella periferia una sensibilità fluttuante e sradicata. L’opera esposta Euseuseu (2025) cattura la texture della roccia costiera con una precisione quasi fotografica che l’acrilico raramente raggiunge — una superficie simultaneamente geologica e psicologica. YAMADA, il più giovane della presentazione, attraversa il confine tra città e natura mediante piani di colore geometrici e una compostezza compositiva che rende visibile in forma astratta la relazione tra ambiente e percezione umana.

LEE Eunsil, LIM Nosik e CHA Hyeonwook occupano il registro intermedio — memoria e esperienza personale, ma con una precisione che si avvicina più all’archeologia del sé che alla nostalgia. LEE lavora nella tensione tra desiderio e costrizione sociale. LIM Nosik presenta immagini frammentate di sé, il soggetto visto attraverso l’ostacolo o la distanza, mai del tutto leggibile. La pratica di CHA Hyeonwook è forse la più materialmente singolare dell’intera presentazione: pennellate a secco ripetute sull’hanji, la carta tradizionale coreana, stratificate con pigmenti minerali — frammenti di memoria che si accumulano in superficie, la mano stessa che mima l’atto del ricordare. La sua opera Seen via Day Moon (2026), pigmento in polvere su hanji, è visivamente straordinaria: un paesaggio di formazioni rocciose fantastiche e corpi celesti in cui il materiale tradizionale coreano e l’immaginazione cosmologica collidono con qualcosa di interamente contemporaneo. Per un pubblico italiano formato alla sensibilità della pittura su tavola e del colore come materia fisica, questa opera parla una lingua riconoscibile pur essendo radicalmente altra.

Il quarto registro — NOH Sangho, GWON Osang, Kohei NAWA — è dove la presentazione si confronta più direttamente con il linguaggio dell’arte contemporanea come disciplina in espansione. NOH Sangho deploya immagini online e materiale generato dall’intelligenza artificiale in pittura a olio su tela: la sua opera HOLY (2026) è simultaneamente devozionale e destabilizzata, santi e guerrieri assemblati dal diluvio di immagini di internet. GWON Osang interroga da decenni l’identità della scultura dall’interno, producendo opere che attraversano il fotografico e il tridimensionale senza stabilirsi in nessuno dei due. Kohei NAWA — la figura internazionalmente più riconosciuta del booth — lavora con materiale e superficie attraverso scultura, installazione e media diversi. La sua PixCell-Random (Cloud) #09 (2026) prosegue la sua lunga indagine su come la percezione sia mediata dagli oggetti interposti tra spettatore e immagine: sfere di vetro applicate a un substrato fotografico in cornice lignea, che sembrano pixelizzare una nuvola, rifrangendola in qualcosa di simultaneamente digitale e tattile.

La coppia Corea-Giappone porta con sé un peso che il comunicato stampa non nomina esplicitamente. La relazione culturale tra questi due paesi è tra le più complesse dell’Asia orientale — storia coloniale, scambio estetico, tensione persistente e genuina influenza reciproca che operano in simultanea. Collocare Kohei NAWA e Kohei YAMADA accanto a nove artisti coreani in un booth di una fiera d’arte a Seoul non è un gesto neutro. Propone, con discrezione ma con chiarezza, che preoccupazioni estetiche condivise — il ritiro verso l’interno, l’attenzione alla superficie e alla materialità, l’interrogazione dell’immagine e della memoria — costituiscano un linguaggio artistico regionale che eccede i confini nazionali. È una proposta che l’Italia, con la sua lunga storia di dialogo tra tradizione locale e vocazione internazionale, sa leggere con particolare acuità.

Seoul ha consolidato negli ultimi anni la sua posizione come capitale mondiale dell’arte, in parte attraverso la credibilità istituzionale generata dall’arrivo di Frieze Seoul, in parte attraverso la crescita straordinaria del collezionismo coreano — un fenomeno che ha interessato anche le grandi case d’asta europee e i mercanti italiani più attenti ai movimenti del mercato asiatico. ART OnO opera all’interno di questo ecosistema espanso — non alla sua estremità più visibile internazionalmente, ma nell’infrastruttura di supporto che mantiene funzionale un mercato dell’arte serio.

Quello che la presentazione di ARARIO GALLERY offre in ultima istanza è un contrappeso — al racconto dell’arte contemporanea coreana come spettacolo globale. Undici artisti, due paesi, un orientamento condiviso: non verso il mondo, ma verso l’architettura interiore dell’esserci. In un mercato che ha talvolta premiato la visibilità sopra ogni altra cosa, questo booth sostiene con precisione la causa della profondità.

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