La Tate Britain presenta Gli Anni ’80: Fotografare la Gran Bretagna, una rassegna fondamentale che esamina il decennio come un momento cruciale per il mezzo della fotografia. Riunendo quasi 350 immagini e materiali d’archivio dell’epoca, l’esposizione esplora come i fotografi hanno utilizzato la fotocamera per rispondere ai cambiamenti sociali, politici ed economici di grande portata che li circondavano. Attraverso i loro obiettivi, la mostra analizza come il mezzo sia diventato uno strumento di rappresentazione sociale, celebrazione culturale e espressione artistica durante questo periodo significativo e altamente creativo per la fotografia.
Questa esposizione è la più grande mai realizzata fino ad oggi per esaminare lo sviluppo della fotografia nel Regno Unito negli anni ’80. Con oltre 70 artisti e collettivi che utilizzano l’obiettivo, mette in luce una generazione che si è impegnata con nuove idee sulla pratica fotografica, dai nomi ben noti a quelli il cui lavoro sta ricevendo un crescente riconoscimento, tra cui Maud Sulter, Mumtaz Karimjee e Mitra Tabrizian. Presenta immagini scattate in tutto il Regno Unito, dai paesaggi post-industriali di John Davies ai ritratti della disoccupazione giovanile a Newcastle di Tish Murtha. Vengono esplorati sviluppi importanti, dai progressi tecnici nella fotografia a colori all’impatto della teoria culturale da parte di studiosi come Stuart Hall e Victor Burgin, e pubblicazioni influenti come Ten.8 e Camerawork in cui sono emersi nuovi dibattiti sulla fotografia.
Gli anni ’80 introducono la Gran Bretagna di Thatcher attraverso la fotografia documentaristica che illustra alcuni degli eventi politici tumultuosi del decennio. La storia prende vita con immagini potenti degli scioperi dei minatori di John Harris e Brenda Prince; le manifestazioni anti-razzismo di Syd Shelton e Paul Trevor; le immagini di Greenham Common dei Format Photographers e i progetti che rispondono al conflitto in Irlanda del Nord di Willie Doherty e Paul Seawright. La fotografia che registra una Gran Bretagna in cambiamento e le sue disparità sempre più ampie viene presentata anche attraverso le immagini dell’eccesso corporativo di Anna Fox, le osservazioni degli uffici di sicurezza sociale di Paul Graham e le rappresentazioni assurde della media Inghilterra di Martin Parr, esposte accanto ai ritratti dell’East End londinese in via di scomparsa di Markéta Luskačová e Don McCullin e i “sea-coalers” transitori del Northumberland di Chris Killip.
Una serie di esposizioni tematiche esplora come la fotografia sia diventata uno strumento convincente per la rappresentazione. Per Roy Mehta, Zak Ové e Vanley Burke, che ritraggono le loro comunità multiculturali, la fotografia offre una voce alle persone intorno a loro, mentre il progetto Handsworth Self Portrait Project 1979 di John Reardon, Derek Bishton e Brian Homer dà alla comunità uno spazio gioioso per esprimersi. Molti fotografi neri e dell’Asia meridionale utilizzano la ritrattistica per superare la marginalizzazione in un contesto di discriminazione. La mostra mette in luce artisti che utilizzano l’obiettivo, tra cui Roshini Kempadoo, Sutapa Biswas e Al-An deSouza, che sperimentano con le immagini per riflettere sulle identità diasporiche, e personalità come Joy Gregory e Maxine Walker che impiegano l’auto-ritratto per celebrare le idee di bellezza e femminilità nera.
Sul sfondo della Sezione 28 e dell’epidemia di AIDS, i fotografi impiegano anche la fotocamera per affermare la presenza e la visibilità della comunità LGBTQ+. Tessa Boffin reimmagina in modo sovversivo i personaggi letterari come lesbiche, mentre “Pretended” Family Relationships 1988 di Sunil Gupta giustappone i ritratti di coppie queer con il testo legislativo della Sezione 28. Per alcuni, il loro lavoro rivendica una positività sessuale in un periodo di paura. La mostra mette in luce i fotografi Ajamu X, Lyle Ashton Harris e Rotimi Fani-Kayode, che ciascuno centra le esperienze nere queer e contesta gli stereotipi attraverso potenti studi sul nudo e ritratti intimi. Rivela anche come fotografi esterni alla comunità queer, tra cui Grace Lau, siano stati invitati a ritrarli. Conosciuta per documentare sottoculture feticiste, la serie Him and Her at Home 1986 e Series Interiors 1986 di Lau registra teneramente i membri di questa comunità che continuano a esistere con determinazione.
La mostra si chiude con una serie di opere che celebrano i movimenti controculturali degli anni ’80, come la documentazione energica delle performance underground e della cultura dei club di Ingrid Pollard e Franklyn Rodgers. La mostra mette in evidenza l’emergere della rivista i-D e il suo impatto su una nuova generazione di fotografi come Wolfgang Tillmans e Jason Evans, che con lo stilista Simon Foxton pionierano uno stile all’avanguardia della fotografia di moda ispirato da questa ondata alternativa ed emozionante della cultura giovanile, riflettendo una nuova visione della Gran Bretagna all’alba degli anni ’90.
