Jina Park: ‘Rocks, Smoke, and Pianos’ – Kukje Gallery (Corea del Sud)

La Kukje Gallery è lieta di presentare Rocks, Smoke, and Pianos, una mostra personale di Jina Park negli spazi K2 e Hanok della galleria a Seoul. In questa prima presentazione delle opere dell’artista nella sede di Seoul della galleria dopo la sua mostra personale a Busan nel 2021, Park esibisce circa 40 nuove opere realizzate con olio e acquerello che esplorano luoghi specifici come una sala espositiva di un museo, una cucina di ristorante e una fabbrica di pianoforti. Qui, continua a utilizzare la fotografia come base della sua pratica pittorica, ricostruendo scene catturate attraverso la sua fotocamera. Dalla sua serie Lomography (2004–07), in cui Park utilizzava una fotocamera Lomo, l’artista si è assegnata il compito di creare dipinti non vincolati dal soggetto, dall’azione o dall’evento, ma piuttosto di trasformare momenti assolutamente quotidiani in soggetti pittorici che si verificano in una dimensione invisibile dello spazio.

Mentre la precedente mostra Human Lights (2021) tenutasi nello spazio della galleria a Busan includeva scene notturne ambientate all’aperto, tutti i dipinti presenti in questa esposizione illustrano spazi interni, ciascuno ritraendo figure immerse nel loro lavoro con un senso di scopo. Il titolo della mostra Rocks, Smoke, and Pianos si riferisce a oggetti banali che uno potrebbe passare senza notare, ed è una sineddoche che allude ai diversi siti che l’artista ha visitato e registrato con la sua fotocamera.

Tra questi, un gruppo di opere collettivamente chiamate “rocce” comprende scene catturate durante la mostra collettiva a cui Park è stata invitata a partecipare dal Busan Museum of Art. Questo include scene di addetti all’arte che disimballano rocce – elementi dal lavoro dell’artista Park Hyunki – così come il personale che prepara il vinile adesivo per l’esposizione, fotografati durante il viaggio di ricerca di Park al museo quando l’installazione per la mostra precedente era in corso. Le opere organizzate intorno al motivo del “fumo” raffigurano scene animate all’interno della cucina del ristorante presso la Kukje Gallery. Infine, le opere raccolte intorno ai “pianoforti” rappresentano la serie più recente di Park che esplora i dettagli interni del luogo dove i pianoforti Steingraeber sono fabbricati a Bayreuth (una città situata nella Baviera settentrionale), Germania, che Park ha visitato quest’anno.

Questi luoghi scelti dall’artista condividono la caratteristica di essere posti di lavoro quotidiani dove i lavoratori di ogni settore svolgono le loro responsabilità dietro i cartelli “Solo Personale”. Dato il suo approccio alla cornice, si potrebbe pensare che l’attività di questi individui sia il soggetto più importante in ogni scena. Tuttavia, nei momenti catturati dalla fotocamera di Park, dove il caso diventa un elemento chiave, non ci sono davvero azioni drammatiche, narrazioni o significati preassegnati. Ad esempio, nella serie Kitchen (2022–24), ciò che occupa gran parte della tela è un affollato piano di lavoro coperto di vari utensili da cucina, e il fumo che si alza nell’aria, tanto quanto le figure concentrate nell’azione. Inoltre, le linee e i piani di colore che compongono la scena diventano un evento in sé, come nei fogli di vinile rettangolari dispersi ritmicamente sul pavimento dell’esposizione nella serie Red Letters (2023–24); nel pavimento arancione che occupa due terzi del dipinto nella serie Rocks (2023–24); o nelle linee e curve audaci che attraversano la tela nella serie Piano Factory (2024). Le figure in pose ambigue senza intenzione di trasmettere significato suggeriscono soltanto il loro contesto e la speculazione del “prima” e del “dopo” della scena – conferendo una sensazione di tensione al dipinto. Questa tensione deriva dal fatto che, mentre il dipinto origina da soggetti quotidiani catturati attraverso la fotocamera di Park, elimina il contesto sociale o il significato diretto che potrebbero avere, evidenziando le relazioni formali e compositive delle linee, dei piani e dei colori. In altre parole, la tensione si intensifica mentre Park avanza nel suo esperimento verso l’arte per l’arte.

Già nel 2005, Park parlava di come volesse creare “dipinti orizzontali, o dipinti senza gerarchia.”¹ In questa dichiarazione, vediamo come le domande sulla “pittoricità della pittura” siano state un nucleo del suo lavoro tutto questo tempo. Park ha continuamente sperimentato con la sua arte perseguendo una maggiore onestà nelle qualità fisiche dei suoi materiali pittorici e cercando una maggiore autonomia. Per quanto riguarda le sue tecniche, Park fa rapide pennellate che ricordano i disegni per creare immagini strutturate in modo libero fino al punto che la figura sembra quasi fondersi con lo sfondo. Tuttavia, diversamente dai disegni, le figure sono in realtà realizzate come grumi di pittura, composte da strati di pennellate. Inoltre, le qualità fisiche dei materiali pittorici non sono più solo soggette a rappresentazione o significazione, come l’artista rende evidente nel lasciare la pittura a olio scorrere giù per la tela o i segni sfumati dell’acquerello sulla carta. Lascia visibile la materialità del mezzo artistico e impiega deliberatamente espressioni implicite ed ellittiche per fornire spazio all’impegno immaginativo dello spettatore.

Contemporaneamente, la macchina fotografica è diventata uno strumento prezioso nella sperimentazione di Park, con l’obiettivo di sfidare la gerarchia stabilita tra gli elementi tradizionali della pittura e raggiungere l’autonomia desiderata. Park ricompone varie scene catturate con la sua macchina fotografica, impedendo così che uno specifico lasso di tempo appaia nell’immagine fissa sulla tela. Inoltre, il suo lavoro riflette chiaramente le qualità uniche dell’immagine della macchina fotografica, come la distorsione delle linee rette causata dall’uso di un obiettivo grandangolare, l’appiattimento della dimensionalità spaziale dello sfondo e un blocco di colore planare astratto risultante dal flash della macchina fotografica, o le proporzioni drammatiche all’interno della cornice pittorica dovute all’angolo della macchina fotografica. Di conseguenza, in opere come Light for Interview (2023), A Pink Room (2024) e Hoverboards in Blue (2024), la parete e il pavimento si collegano in un piano continuo, espresso attraverso campi di colore giallo, rosa e blu. L’uso del colore emerge come una caratteristica significativa del lavoro di Park. Con questi accorgimenti, l’artista abbraccia la contingenza, l’a-temporalità e l’a-placelessness – caratteristiche dei dipinti astratti – e costruisce un linguaggio visivo unico in cui coesistono spazi astratti e rappresentativi.

Questa mostra è un viaggio in cui Park naviga tra i confini tradizionali tra disegno e pittura, figurazione e astrazione, nonché tra fotografia e pittura. Introducendo lacune discordanti in quella che sembra essere una superficie liscia del dipinto, l’artista esplora il proprio approccio alla domanda: “Che cos’è la pittoricità della pittura?”. Lo stile naturalistico subisce una serie di transizioni, sintetizzate dalle distorsioni dell’obiettivo della macchina fotografica e dalla sperimentazione pittorica dell’artista, per ritornare con un linguaggio e una grammatica pittorica completamente nuovi. Questo permette all’artista di creare opere che indagano a fondo ed esprimono deliberatamente l’essenza della pittura. Questi momenti fugaci, sospesi nel tempo presente e continuo, si riuniscono nello spazio espositivo, invitando a riflettere sulla vera essenza della pittura.

Date della mostra: 3 dicembre 2024 – 26 gennaio 2025.
Sedi: Galleria Kukje K2, Hanok.