La nuova serie sudcoreana Aema è stata lanciata a livello globale sulla piattaforma di streaming Netflix, presentando una commedia drammatica storica che si addentra in uno dei periodi più turbolenti e contraddittori della storia culturale moderna della nazione. Ambientata nel cuore dell’industria cinematografica coreana, conosciuta come Chungmuro, nei primi anni ’80, la serie in sei episodi costruisce una narrazione romanzata attorno alla produzione di un film reale e storicamente significativo: il lungometraggio erotico del 1982 Madame Aema. Questo film fu un successo al botteghino che inaugurò di fatto un boom del cinema erotico, un genere che avrebbe definito gran parte della produzione cinematografica popolare del decennio. La serie, tuttavia, utilizza questo evento storico non come soggetto di un biopic, ma come catalizzatore per esplorare le pressioni sistemiche, le politiche di genere e i compromessi artistici che definirono il cinema sotto un regime autoritario. La narrazione è guidata dalle traiettorie intrecciate di due donne agli estremi opposti dello spettro professionale. Jung Hee-ran, interpretata da Lee Hanee, è un’attrice affermata e pluripremiata all’apice della sua carriera, che tuttavia lotta per ridefinire la sua immagine pubblica e sfuggire al typecasting che le ha portato la fama. Di fronte a lei c’è Shin Joo-ae, un’esordiente ferocemente ambiziosa interpretata da Bang Hyo-rin, che inizia la serie come ballerina di tip tap in un nightclub con aspirazioni di celebrità. Il conflitto centrale si accende quando Hee-ran, in un atto decisivo di autoconservazione professionale, rifiuta il ruolo principale in Madame Aema dopo aver esaminato una sceneggiatura piena di quelle che considera scene di nudo eccessive e gratuite. Questo rifiuto crea un vuoto che l’opportunista Joo-ae riempie con entusiasmo, ottenendo la parte e preparando il terreno per una complessa rivalità professionale. Questa dinamica si svolge all’interno di un’industria dominata dagli uomini in cui l’agentività femminile è perennemente contestata, stabilendo il terreno tematico centrale della serie fin dai suoi primi momenti. La classificazione della serie come commedia drammatica è un indicatore cruciale della sua strategia tonale e intellettuale. Invece di affrontare il suo serio argomento con una solennità assoluta, Aema impiega elementi comici e satirici per analizzare le assurdità delle strutture di potere e dei costumi sociali dell’epoca, posizionando l’opera come un sofisticato commento critico piuttosto che un semplice melodramma storico.
Il paesaggio paradossale di Chungmuro negli anni ’80
Per comprendere appieno le pressioni narrative che modellano i personaggi di Aema, è necessario comprendere il panorama socio-politico unico e profondamente paradossale della Corea del Sud nei primi anni ’80. La serie è ambientata durante il regime militare autoritario del presidente Chun Doo-hwan, il cui governo dal 1980 al 1988 è ricordato come uno dei periodi più bui della storia moderna della nazione, un’era di intensa repressione politica e di libertà civili ridotte. Nelle rappresentazioni cinematografiche, questo periodo è quasi invariabilmente raffigurato con una tavolozza visiva cupa, caratterizzata da colori spenti e ombre pesanti, che riflettono l’opprimente umore nazionale, come si vede in film come 12.12: The Day e 1987: When the Day Comes. Il governo di Chun, cercando di sedare il dissenso pubblico e distogliere l’attenzione dalle sue attività politiche, implementò quella che è stata descritta come la “Politica delle 3S”: una promozione sponsorizzata dallo stato di Screen (cinema), Sex (sesso nella cultura popolare) e Sports (sport). Sebbene esista un dibattito storico sulla codificazione formale di questa politica, la serie la postula come uno strumento calcolato di pacificazione politica, progettato per fornire alle masse intrattenimento e sbocchi per la distrazione. Una componente chiave di questa strategia fu l’incoraggiamento attivo dell’industria del cinema erotico. La revoca nel 1982 di un coprifuoco nazionale durato 36 anni creò un nuovo mercato per l’intrattenimento notturno, portando all’ascesa dei “film di mezzanotte”, di cui Madame Aema fu il primo e più esplosivo successo. Tuttavia, questo incoraggiamento di contenuti sessuali sanzionato dallo stato era abbinato a una forza altrettanto potente e contraddittoria: un sistema di censura statale rigoroso e spesso arbitrario. I registi si trovarono in un ambiente creativo volatile e schizofrenico. Erano spinti dalla politica governativa e dalla domanda del mercato a produrre contenuti sessualmente espliciti, ma allo stesso tempo erano soggetti ai capricci imprevedibili dei censori che potevano richiedere tagli o alterazioni, privandoli di fatto della loro libertà di espressione. Questa contraddizione fondamentale non è semplicemente uno sfondo storico in Aema; funziona come il motore principale della narrazione. Le pressioni esterne che colpiscono i personaggi — dalle incessanti richieste di nudità del produttore per soddisfare le aspettative commerciali, al desiderio del regista di creare arte in mezzo al crasso commercialismo, alle lotte degli attori con scene di sfruttamento — sono tutte conseguenze dirette di questa paradossale politica statale. La serie postula che in quest’epoca, le vite personali e professionali degli artisti erano inestricabilmente legate alle macchinazioni politiche di uno stato autoritario, creando un microcosmo delle più ampie tensioni sociali del tempo.
Una narrazione di rivalità e solidarietà
Il nucleo drammatico di Aema risiede nella complessa ed evolutiva relazione tra le sue due protagoniste femminili, i cui percorsi personali e professionali servono da potente lente attraverso cui la serie esamina le politiche di genere del cinema coreano degli anni ’80. La narrazione traccia meticolosamente la loro dinamica mentre si trasforma da una rivalità tagliente a un’alleanza resiliente e significativa. L’arco del personaggio di Jung Hee-ran è di resistenza e rivendicazione. Interpretata da Lee Hanee, è una star di primo piano che ha costruito la sua carriera sui popolari “film di hostess” degli anni ’70, film che spesso presentavano ragazze da bar e prostitute, cementando la sua immagine di sex symbol. Ora, in un punto cruciale della sua carriera, è determinata ad andare oltre questa persona e ad essere riconosciuta solo per il suo talento recitativo. Il suo rifiuto del ruolo principale in Madame Aema non è un atto di puritanesimo, ma di calcolata autodeterminazione professionale, una presa di posizione contro l’essere ulteriormente etichettata e sfruttata. Questo atto di sfida, tuttavia, non le concede la libertà. È contrattualmente legata al produttore del film, l’odioso e manipolatore Gu Joog-ho (Jin Seon-kyu), che usa una scappatoia nel loro accordo per costringerla a un umiliante ruolo di supporto proprio nel film che ha rifiutato. Questo la costringe a navigare la produzione da una posizione compromessa, culminando in momenti di confronto esplosivo, tra cui un alterco fisico con il produttore e la promessa sprezzante: “Joong-ho, andiamo all’inferno”. In netto contrasto, l’arco di Shin Joo-ae è un bildungsroman di ambizione e disillusione. Interpretata dalla debuttante Bang Hyo-rin, Joo-ae è un personaggio di pura ambizione, una ballerina di tip tap che vede il ruolo principale vacante in Madame Aema come un’opportunità irripetibile. Dichiara audacemente la sua intenzione di diventare “la prossima Jeong Hee-ran”, segnalando il suo desiderio di soppiantare il suo idolo. Inizialmente, è disposta a fare qualsiasi cosa per avere successo, compreso conformarsi alle richieste di sfruttamento dell’industria. Tuttavia, man mano che la produzione avanza, le sue illusioni vengono sistematicamente infrante. Si confronta con la realtà del suo ruolo, costretta a eseguire “scene esplicite senza senso” dettate da produttori e censori, e sperimenta in prima persona la pervasiva misoginia dell’industria. Il suo è un viaggio doloroso ma trasformativo, che la porta da un’ambizione ingenua a una sviluppata coscienza critica sul sistema che cercava di conquistare.
Inizialmente, la relazione tra le due donne è definita dall’attrito. Hee-ran, insicura per essere stata messa da parte e risentita per la sua sostituta, rende la vita difficile alla nuova arrivata sul set. Eppure, mentre entrambe sopportano le macchinazioni degli uomini al potere, la loro esperienza condivisa di oppressione sistemica inizia a forgiare un legame improbabile. La loro rivalità lascia lentamente il posto a una “gentile solidarietà”. Giungono a riconoscere che il loro vero nemico non sono l’una per l’altra, ma il sistema patriarcale che le mette l’una contro l’altra per briciole di potere e rispetto. Questa evoluzione da antagoniste ad alleate, unite in una comune determinazione a respingere lo sfruttamento, costituisce il cuore emotivo e tematico della serie. Questo viaggio è incorniciato dalle azioni dei personaggi maschili che rappresentano le forze corruttrici dell’industria. Gu Joog-ho, l’amministratore delegato della Shinsung Films, è l’incarnazione del cinismo commerciale. Descritto come un “produttore losco” che “non si fermerebbe davanti a nulla per sopravvivere” nel competitivo mondo di Chungmuro, vede i suoi attori come merci e l’arte come un prodotto da vendere. La sua controparte è il regista esordiente, Kwak In-woo (Cho Hyun-chul). Caratterizzato come “timido”, “impacciato” e “diffidente”, In-woo è un aspirante artista che vuole fare un film con “sottile erotismo” ma si trova intrappolato tra la sua visione creativa e l’incessante richiesta del produttore di “seni infiniti”. Rappresenta l’artista compromesso, che lotta per mantenere l’integrità all’interno di un sistema orientato allo sfruttamento. La serie impiega una sofisticata struttura narrativa in cui il film-nel-film diventa un potente meta-commento sull’agentività femminile. Le lotte sullo schermo dei personaggi di Madame Aema rispecchiano direttamente le battaglie fuori dallo schermo delle attrici che li interpretano. Come osserva un’analisi, “Trasmutato attraverso il processo di produzione cinematografica, il desiderio sessuale sullo schermo delle protagoniste di Madame Aema diventa il desiderio di agentività delle attrici che le interpretano”. La lotta di Hee-ran contro l’esecuzione di scene di nudo e il disagio di Joo-ae per i contenuti gratuiti non sono semplici punti della trama; sono argomenti tematici sul controllo e l’oggettivazione del corpo femminile sia nel cinema che nella società in generale. Inoltre, la serie compie una scelta strutturale sovversiva nella sua assegnazione del tono. La narrazione drammatica principale — il complesso viaggio emotivo dalla rivalità alla solidarietà di fronte all’abuso sistemico — è portata quasi esclusivamente dalle due protagoniste femminili. Al contrario, i membri maschili del cast sono in gran parte responsabili degli elementi comici, che spesso nascono dalla loro rozzezza e dalla comicità imbarazzante del dirigere e girare le scene erotiche. Rendendo le figure maschili di autorità i principali oggetti di satira e le figure femminili i soggetti di un dramma serio e avvincente, la serie inverte sottilmente le dinamiche di potere narrative tradizionali, centrando l’esperienza femminile e usando l’umorismo per criticare le fondamenta stesse del sistema patriarcale.
La visione d’autore di Lee Hae-young
Aema segna il debutto televisivo dello sceneggiatore e regista Lee Hae-young, un cineasta il cui consolidato corpus di opere cinematografiche fornisce un chiaro contesto per le ambizioni stilistiche e tematiche della serie. Un esame della sua filmografia rivela un autore con una voce distintiva, caratterizzata da fluidità di genere, una raffinata sensibilità visiva e una costante preoccupazione per i personaggi che navigano in strutture sociali oppressive. I suoi film precedenti hanno spaziato tra più generi, dall’azione criminale di Believer (2018) e il thriller di spionaggio Phantom (2023) al mistero-horror di The Silenced (2015) e le commedie Foxy Festival (2010) e Like a Virgin (2006). Attraverso questi vari progetti, il suo lavoro è stato elogiato per la sua “narrazione fresca”, “regia sensibile e sottile” e una sofisticata mise-en-scène che combina una forte azione con caratterizzazioni molto distintive. Le preoccupazioni tematiche di Aema non sono nuove nel lavoro di Lee. Il suo film più recente, Phantom, che vedeva anche Lee Hanee come protagonista, è stato notato per il suo focus sulla “solidarietà delle donne in una società soffocantemente patriarcale”, un tema che è centrale in questa nuova serie. In questo senso, Aema può essere vista come una continuazione e un’espansione dei suoi interessi artistici, applicando le sue sensibilità cinematografiche al formato episodico della televisione. Forse la firma d’autore più sorprendente in Aema è la sua estetica visiva deliberata e altamente stilizzata. La serie rifiuta consapevolmente il linguaggio visivo convenzionale usato per rappresentare l’era di Chun Doo-hwan. Invece delle attese “tavolozze spente” e “ombre fitte” che significano oppressione politica, Lee Hae-young costruisce gli anni ’80 come un mondo “splendido” e “voluttuoso”, un “tripudio di colori caleidoscopici e moda favolosa”. Questo non è un atto di romanticizzazione nostalgica ma una strategia critica calcolata. Il regista stesso ha articolato l’intento dietro questa scelta, affermando che più “i suoni e le immagini appaiono abbaglianti in superficie, più chiaramente la violenza di quell’epoca barbara si manifesterebbe come messaggio”. Questa scelta estetica funziona come una forma di revisionismo storico. Sostiene visivamente che la brutalità dell’epoca non era solo una questione di repressione politica palese, ma era anche mascherata dalla superficie sgargiante e distraente di una cultura di intrattenimento di massa sponsorizzata dallo stato. L’estetica vibrante costringe lo spettatore a confrontarsi con la profonda dissonanza tra la nascente e colorata industria culturale e la cupa realtà politica che era progettata per oscurare. Questa strategia visiva rende l’oppressione sottostante più insidiosa, evidenziando l’ipocrisia al cuore della Politica delle 3S.
La serie arriva anche come parte di una conversazione più ampia all’interno del cinema sudcoreano contemporaneo. Condivide un notevole DNA stilistico e tematico con altri film recenti che riesaminano il passato cinematografico della nazione. La sua premessa ha una forte somiglianza con Cobweb (2023) di Kim Jee-woon, una meta-commedia e una farsa affettuosa che satirizza gli ego e le insicurezze di una troupe cinematografica negli anni ’70. Utilizzando una struttura di film-nel-film, Cobweb segue un regista frustrato mentre combatte dirigenti di studio e censori governativi nel tentativo di rigirare il finale del suo film. Inoltre, il brio visivo di Aema e la scelta di Lee Hanee in un ruolo che decostruisce gli archetipi femminili riecheggiano il film cult Killing Romance (2023) di Lee Won-suk. Quella commedia nera musicale e assurda utilizzava anch’essa uno stile vibrante e surrealista e una trama oscuramente comica per esplorare la liberazione di una donna da un uomo abusivo e controllante, criticando al contempo la cultura della celebrità. L’emergere di questi film suggerisce che Aema non è un’opera isolata ma un’entrata chiave in un sottogenere in via di sviluppo di pezzi d’epoca autoriflessivi. Questo movimento vede i registi coreani contemporanei impegnati in un dialogo critico con la propria storia nazionale e cinematografica, utilizzando gli strumenti del genere, dello stile e della meta-narrazione per re-interrogare i traumi e le contraddizioni del passato da una prospettiva moderna.
Una lente di finzione sulla verità storica
Sebbene Aema sia profondamente radicata in un momento storico specifico, è fondamentale comprendere la sua relazione con i fatti. La serie è un’opera di finzione storica, non un documentario o un biopic. Il film del 1982 Madame Aema fu un fenomeno culturale reale e di enorme influenza, che dominò il botteghino e generò una dozzina di sequel diretti e numerosi altri spin-off. Tuttavia, i personaggi che popolano la serie — dalle attrici Jung Hee-ran e Shin Joo-ae al produttore Gu Joog-ho e al regista Kwak In-woo — sono creazioni interamente fittizie. Il regista Lee Hae-young ha riconosciuto di aver tratto ispirazione dalle esperienze documentate di attrici di quell’epoca, in particolare An So-young, la star dell’originale Madame Aema, ma la narrazione non aderisce agli eventi specifici della vita di nessun singolo individuo. Questa deliberata finzionalizzazione è una scelta strategica che permette alla serie di perseguire un’agenda tematica più profonda ed espansiva. Creando personaggi archetipici piuttosto che essere vincolata dalla fedeltà biografica, la narrazione è libera di funzionare come un più ampio commento sociale. Può esplorare più efficacemente le questioni sistemiche di misoginia, censura, compromesso artistico e sfruttamento aziendale che erano endemiche nell’industria dell’epoca. I personaggi diventano rappresentanti delle varie forze in gioco, consentendo un esame più mirato delle dinamiche di potere dell’epoca.
A dare un peso significativo a questo approccio è il coinvolgimento della casa di produzione The Lamp Co., Ltd., che ha co-prodotto la serie con Studio Kik Co., Ltd. The Lamp Co. si è costruita una formidabile reputazione producendo film acclamati dalla critica e di successo commerciale che sono meticolosamente ricercati e basati su eventi storici reali. La loro filmografia include titoli di riferimento come A Taxi Driver (2017), che ha drammatizzato la rivolta di Gwangju; Mal-Mo-E: The Secret Mission (2019), sulla conservazione della lingua coreana sotto il dominio coloniale giapponese; Samjin Company English Class (2020), basato su uno scandalo aziendale reale; e Phantom (2023), un thriller di spionaggio anch’esso diretto da Lee Hae-young e interpretato da Lee Hanee. L’associazione di una casa di produzione nota per il suo impegno per l’autenticità storica con un progetto esplicitamente fittizio è una decisione creativa significativa. Suggerisce la convinzione che, in questo caso, una narrazione di finzione sia un veicolo più potente per trasmettere la verità emotiva e sistemica degli anni ’80 di quanto potrebbe essere una rievocazione strettamente fattuale. Segnala al pubblico che, sebbene la storia non sia letteralmente vera, è destinata ad essere presa sul serio come interpretazione storica, bilanciando gli elementi vibranti, comici e drammatici della serie con una corrente sotterranea di integrità giornalistica e storica. In definitiva, Aema si presenta come una complessa riesaminazione moderna di un momento cruciale e controverso della storia culturale coreana. Utilizza la sua struttura fittizia e una distinta visione d’autore per esplorare temi duraturi di solidarietà femminile, il prezzo dell’integrità artistica e la complessa, spesso pericolosa, relazione tra arte, commercio e politica.
La serie in sei episodi Aema è ora disponibile per lo streaming in tutto il mondo, dopo aver debuttato su Netflix il 22 agosto 2025.
